Face à la puissance des « majors » et des plateformes de streaming, ils sont un maillon indispensable de la création musicale. Mais l’économie des « indés » reste le plus souvent précaire.

On trouve de tout chez Ground Zero. Rock, pop, funk ou afrobeat, le disquaire installé à Paris et Montpellier est généraliste. Dans les bacs, le dernier Taylor Swift côtoie les productions de labels indépendants confidentiels. « On doit avoir les deux, on ne tiendrait pas si on faisait du 100% indé », explique Alban, le vendeur du magasin parisien, à franceinfo Culture. « C’est plus dur pour les petits labels aujourd’hui« . Apparemment, la hausse des ventes de vinyles, +15% en 2025, ne profite pas à tout le monde.

« C’est très inégalement réparti », confirme Franck Pompidor, fondateur et gérant de Ground Zero. « Les plus gros vendeurs tirent les chiffres vers le haut. Et le plus souvent, ce sont des artistes de majors« . Les majors : Universal Music Group, Sony Music Entertainment, Warner Music Group. La trinité de l’industrie musicale pèse aujourd’hui autour de 70% du marché. Une domination sans partage, pas seulement sur les nouveautés. La plupart des enregistrements antérieurs aux années 1990 leur appartiennent. « Les valeurs sûres, les vieux tubes, c’est aussi une bonne part des ventes depuis le retour du vinyle. Ça non plus, ça ne fait pas les affaires des indépendants », conclut Franck Pompidor. Où en est l’économie des labels indépendants ? Nous avons mené l’enquête, à l’occasion d’une des grandes journées de fête du disque, le Disquaire Day, le 18 avril.

« Ça tient parce que je suis un psychopathe »

« Ça veut dire quoi des ventes en hausse si les gens achètent des vieux vinyles d’AC/DC ressortis par Sony? » soupire Jean-Baptiste Guillot chez Born Bad Records. « Ce qui est sûr, c’est qu’on a de plus en plus de mal à faire émerger des groupes ». Son label, c’est pourtant la référence du rock « indé ». Ni dieu ni maître, 20 ans de passion fêtés cette année, un catalogue de 200 albums(Nouvelle fenêtre), pépites du rock alternatif français. Mais le patron et toujours unique salarié de Born Bad a un peu le blues. « Je fais tout tout seul, je suis un artisan qui sort des disques et développe des artistes. Mais aujourd’hui, si tu n’es pas dans la playlist ‘Salle de sport’ ou ‘Barbecue’ de Spotify c’est mort, ça ne percera pas ».

Pourtant, selon Spotify, la moitié des revenus générés par le streaming sont versés à des artistes ou des labels indépendants. « Ça ne veut rien dire« , tranche Jean-Baptiste Guillot. Il n’y a que trois majors alors qu’il y a des millions d’artistes auto-produits sur Spotify, c’est tout. Mais la plupart touchent très peu. Et leur musique y est concurrencée par des trucs générés par IA ! » Amer, il ne voit pas le modèle de label qu’il incarne perdurer. « Ça tient parce que je suis un psychopathe, installé et déterminé. Ça donne un sens à ma vie, mais c’est irrationnel. »

Pessimiste Jean-Baptiste Guillot ? « Non, il a raison », affirme Céline Lepage, secrétaire générale de la Fédération des labels et distributeurs indépendants (FÉLIN). « Un label de pure production phonographique comme le sien, assis sur un réseau de distribution bâti avec 20 ans d’efforts, ça n’existera bientôt plus« . Mais un nouveau modèle prend la relève, assure-t-elle. Plus diffus, plus diversifié, il propose aux artistes un accompagnement global, de l’édition à la gestion des followers et des réseaux, indispensables pour se faire repérer sur les plateformes… « C’est quelque chose entre le label, le producteur de disques et l’agent d’artiste », décrit Céline Lepage.

Exemple : Baco Records, discrète success story de l’industrie musicale française. Un « label d’artiste » créé autour de Danakil. En 2011, le groupe phare du reggae français, pas vraiment fan des majors, a décidé de gérer lui-même ses albums. « Rapidement, on s’est rendu compte qu’un disque nous rapporterait double si on était aussi distributeur« , raconte Mathieu Dassieu, saxophoniste du groupe aujourd’hui à la tête du label. « On s’est pris au jeu et on a commencé à travailler pour le compte de groupes rencontrés sur la route. Petit à petit, c’est devenu ce qu’on appelle un ‘label 360’ : à la fois studio d’enregistrement, distributeur, éditeur et organisateur de tournées« .

La PME Baco Records(Nouvelle fenêtre), c’est aujourd’hui 32 salariés, 4 sites en France et des noms aussi prestigieux que Clinton Fearon(Nouvelle fenêtre) ou Groundation(Nouvelle fenêtre). En chemin, le label s’est ouvert à d’autres genres que le reggae. Après 20 ans de farouche auto-production, le vieux routier du rap français Yoshi s’est laissé convaincre. « J’ai pesé le pour et le contre« , explique l’artiste. « Toutes les formalités, c’est du temps qui n’est pas consacré la création artistique. Maintenant Baco s’occupe de tout et ils ont des moyens que je n’ai pas pour gérer mon image ».

Adieu l’indépendance alors ? « Ce n’est pas une major« , répond Yoshi. « J’écoute leurs conseils mais ils me laissent libre de mes choix artistiques. Évidemment, ils prennent un pourcentage, mais mieux vaut une petite part du gâteau que pas de gâteau du tout ! ».

En fonction des artistes, coproduction, licence, ou contrat prenant en charge tous les frais de A à Z, le label perçoit 30 à 80% des revenus générés. Mais le modèle reste fragile. « On est extrêmement dépendant des crédits d’impôt, des subventions, de toutes les aides à la création » reconnaît Mathieu Dassieu. « C’est ce qui garantit un modèle soutenable à de nombreux labels indépendants. Mais si les élections de 2027 tournent mal, vu les programmes et les coupes budgétaires annoncées, ça peut être dramatique« .

Voilà pourquoi Cracki Records, autre indépendant emblématique de la scène française, a choisi une autre voie. Fêtes, festival, release party à chaque sortie d’album : le label mise sur l’évènementiel, le métier de départ de ses deux fondateurs.

« Il faut se réinventer en permanence »

« Les subventions, il faut voir ça comme un bonus, mais si possible ne pas en vivre. Nous on a commencé par organiser des soirées dans des usines il y a 15 ans », raconte Donatien Cras de Belleval. « Ça a eu un certain succès et du coup, on a pu financer le label dont on rêvait. L’idée, c’était vraiment de sortir du label typique français, où on ne fait que du garage punk, ou que de l’électro ».

Le catalogue de Cracki Records est aujourd’hui riche de plus de 100 références, de la house à la pop en passant par la techno ou le disco. Mais l’évènementiel reste l’un des piliers de son modèle économique. Début mars 2026, le label a ouvert PRINT : un immeuble de bureau loué pour trois mois avant sa rénovation. Au menu : gastronomie, bar, expositions, librairie et bien sûr concerts. « Il faut expérimenter, se réinventer en permanence, parce que tout évolue hyper vite. Il y a seulement 15 ans, il n’y avait plus de CD, les vinyles n’étaient pas encore revenus et on téléchargeait la musique illégalement ! Mais on a tenu le coup et on réussit à en vivre, c’est déjà bien ! »

Effectivement, ce n’est pas le cas de tout le monde. Pour beaucoup des 1 500 producteurs de musique indépendants en France, labels ou artistes auto-produits, la précarité reste la norme. « J’arrive à me payer… de temps en temps« , témoigne Thomas Persuy, à la tête du label 18heures48(Nouvelle fenêtre), qui navigue entre électro exigeante, pop et chanson. « En 2024, pas un sou de revenu, j’ai vécu des minima sociaux. Là ça va mieux ». Son boulot, dit-il, c’est juste de trouver assez de cachets à ses artistes pour que eux vivent de la musique.

Même si ce n’est pas seulement la leur… « Mon projet personnel ne rapporte rien pour l’instant », témoigne ZAYKA, l’un des artistes du label. « Je suis obligé de faire plein de trucs en intermittence à côté, c’est compliqué. Le label gère tout le reste, du mix à la diffusion. Sinon je n’aurais pas le temps de créer ma propre musique en fait« . Et ça, c’est exactement ce qui pousse le patron de 18heures48 à continuer. « Je n’ai aucun talent, mais je suis aux premières loges ! », sourit Thomas Persuy. « Voir évoluer le projet d’un artiste, de la première maquette au disque final, c’est un privilège énorme. Je continuerai aussi longtemps que je le pourrai. »

World Opinion + France Culture

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« 1984 », le célèbre roman dystopique de George Orwell, est partout ou presque: on l’achète en librairie, on le ressort de nos étagères, on le cite sur les réseaux sociaux, on s’en inspire au cinéma… Pourquoi les dystopies, regards effrayants sur l’avenir, sont-elles utilisées pour analyser notre présent?

Quand on lit « 1984 », on cherche « une bonne façon de réfléchir – par l’imaginaire, par le détour de la fiction – sur notre société, sur les menaces, sur les dangers qui sont les nôtres aujourd’hui, sur les risques réels », analyse dans Tout un monde Frédérique Leichter-Flack, professeure en littérature et humanités politiques à Sciences Po.

Le roman de George Orwell « s’applique presque mot pour mot à la réalité qu’on vit, et pas seulement en Amérique, un peu partout dans le monde », souligne aussi sur France Inter le réalisateur Raoul Peck, qui vient de sortir le documentaire « Orwell 2+2=5 ».

Novlangue trumpienne

Un terme prend d’ailleurs une place toujours plus importante dans le langage courant: « orwellien ». Ce mot « s’est imposé un petit peu intuitivement l’année dernière, au moment de l’accession au pouvoir de Donald Trump », souligne dans Tout un monde Olivier Berné, astrophysicien au CNRS, responsable de projets avec le télescope spatial James Webb de la NASA et coauteur du livre « Le moment orwellien ».

Quand les mots n’ont plus d’attaches à la réalité, cela devient impossible de décrire le réelOlivier Berné, astrophysicien au CNRS

Dans cet ouvrage, les scientifiques ont appliqué la grille de lecture de « 1984 » aux attaques subies actuellement par la science en France et aux Etats-Unis. Ils se sont penchés notamment sur le concept de « novlangue » inventé par Orwell, soit un langage très appauvri, des mots vidés de leur sens, avec pour but l’anéantissement de la pensée.

« Cette transformation de la langue est beaucoup utilisée dans le discours trumpien, mais de manière générale, dans beaucoup de régimes illibéraux qui ont émergé ces dernières décennies. Elle fait partie du dispositif de dépossession du réel. Quand les mots ne veulent plus dire, n’ont plus d’attaches à la réalité, cela devient impossible de décrire le réel », illustre Olivier Berné.

Avoir une forme de subversion, remettre en question, avoir un esprit critique, est une des premières formes de résistanceOlivier Berné, astrophysicien au CNRS

L’astrophysicien donne un exemple: « Dans le monde scientifique, ces dernières années, on a beaucoup parlé d’excellence. Ce mot a été utilisé non pas pour qualifier ou pour soutenir vraiment la qualité du travail scientifique, mais plutôt pour justifier une espèce de mise en compétition tout le temps, partout, des scientifiques les uns contre les autres, ou des établissements universitaires en particulier les uns contre les autres. »

Résister en s’inspirant d’Orwell

Les attaques contre la science, Olivier Berné en fait directement l’expérience, puisqu’il est désormais interdit de territoire aux Etats-Unis pour avoir pris part à des manifestations de soutien à la recherche. Avec ses collègues, ils formulent aussi des pistes pour résister, là encore inspirées d’Orwell.

Olivier Berné propose notamment de sortir de l’orthodoxie qui consiste dans « 1984 » « à suivre le mouvement, sans jamais se poser la question de savoir si le sens du courant nous amène vraiment dans une direction qui est souhaitable ». Donc « sortir de cette espèce d’orthodoxie, avoir une forme de subversion, remettre en question, avoir un esprit critique, est une des premières formes de résistance ».

Limites de l’analyse

Il y a toutefois des limites à utiliser les dystopies comme grille de lecture du présent, estime Frédérique Leichter-Flack, car il faut garder en tête que ces fictions ont été écrites dans leur contexte.

« Les dystopies sont une manière de saisir ce que le moment présent contient en germe. Or, ce moment présent, ce n’est pas le même pour nous aujourd’hui qu’au moment où ces textes ont été écrits », relève Frédérique Leichter-Flack. Et de poursuivre: « Ça ne veut pas dire qu’on ne peut plus les lire. Mais je crois qu’il ne faut pas basculer dans une complaisance qui nous conduirait aujourd’hui, parce que la technologie rend possible l’univers d’Orwell, à croire qu’on est déjà à confondre démocratie et totalitarisme, et du coup à se tromper de signal d’alarme. »

« Tout reste au fond une question de vigilance politique », conclut-elle.

World Opinion + RTS Culture

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Juste avant les Oscars, les Razzie Awards, créés en 1981, ont fait leur choix parmi les navets de la saison. Le chanteur Ice Cube reçoit le prix du pire acteur.

Les remakes ratés de Blanche-Neige et La Guerre des Mondes ont dominé samedi 14 mars le palmarès des Razzie Awards, les anti-Oscars couronnant chaque année les pires navets du cinéma. Le recyclage par Disney de Blanche-Neige en prise de vues réelles avait fait l’objet de nombreuses controverses dès son annonce il y a plusieurs années. Sa sortie au printemps dernier s’est révélée décevante.

Sa vedette, Rachel Zegler(Nouvelle fenêtre), a provoqué la colère des fans de Disney en dénigrant l’original de 1937. Elle a aussi qualifié le prince de harceleur. Le choix de cette actrice latino-américaine pour le rôle principal a été critiqué sur les réseaux sociaux comme une nouvelle preuve que Disney serait « woke », l’adjectif fourre-tout que Donald Trump utilise pour remettre en cause la diversité de la société américaine.

Sept nains effrayants

Mais au final, ce sont les nains générés par ordinateur qui ont suscité le plus de critiques et ont valu au film deux Razzies. « Effrayants, voire terrifiants et d’un faux-semblant criard, le prix du pire second rôle masculin revient aux sept nains artificiels« , ont expliqué les organisateurs de la cérémonie. « L’IA ne doit pas nécessairement coûter plus de 250 millions de dollars, peut-être 20,50 dollars, ou une période d’essai gratuite de sept jours« , ont-ils ajouté, en raillant le budget énorme du film de Disney.

Les sept créatures magiques caricaturales ressemblant à des gnomes ont également été nommées « pire duo à l’écran« . Disney a toutefois échappé au titre de pire film de l’année, remporté par un autre géant, Amazon, avec son remake de La Guerre des mondes.

Le roman du britannique Herbert George Wells avait déjà été adapté au cinéma, notamment par Steven Spielberg. Mais cette fois Amazon a décidé de raconter l’intrigue à travers des appels Zoom : le résultat a été raillé comme « une comédie involontaire » par les Razzies.

Le chanteur américain Ice Cube, à l’affiche du film, a reçu le prix du pire acteur. Le film d’Amazon a été critiqué pour son placement de produit maladroit, notamment dans la scène de fin où un drone Prime Air sauve l’humanité d’une invasion extraterrestre. Il s’est néanmoins imposé comme un succès inattendu sur la plateforme de streaming, à cause d’un buzz autour de sa nullité alimenté selon la critique par des « masochistes qui s’ennuient« .

Prix parodiques, les Razzies ont été créés en 1981 pour se moquer de la culture de l’autosatisfaction d’Hollywood. Ils sont chaque année décernés peu avant les Oscars.

World Opinion + Agences

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Mandy, Indiana est un groupe à suivre en cette année 2026. Les Mancuniens frappent fort avec leur deuxième album, “Urgh”, sorti le 6 février. Et la presse britannique est très enthousiaste, décrivant des morceaux empreints de rage face à l’état chaotique du monde.

C’est une musique qui vient des tripes, viscérale. Mêlant noise rock, industriel et sonorités techno, Mandy, Indiana lance un cri de colère avec Urgh, leur deuxième album, sorti le 6 février. L’opus prend la forme d’une “critique sociale acerbe de notre bien sombre époque”, selon le magazine spécialisé Clash.

Le groupe de Manchester est emmené par une Frenchie, Valentine Caulfield, qui chante principalement en français. C’est pour ses études que la chanteuse est allée s’installer dans la cité du nord de l’Angleterre, où elle a formé en 2016 son groupe avec trois Anglais : Scott Fair à la guitare, Simon Catling au synthé et Alex Macdougall à la batterie. Le mélange des genres opéré par la bande a en tout cas séduit les critiques outre-Manche.

Des paroles hargneuses

Le titre annonce d’emblée la couleur d’un disque qui reflète l’angoisse et la fatigue de l’époque. “L’incroyable polyvalence de Macdougall et les staccatos de Caulfield électrisent la plupart de leurs chansons, menées à un trot enlevé, libre, absolument addictif, que des bourrasques et des sons stridents font souvent dérailler : la menace plane en permanence”, décrit The Guardian.

The Financial Times apprécie les “paroles hargneuses face aux injustices”, abordant des thèmes tels que la masculinité toxique ou l’indifférence face aux conflits. Le morceau Magazine, par exemple, “raconte un fantasme, celui de se venger d’un agresseur sexuel, dans un crescendo d’effroi”. Valentine Caulfield dénonce de nouveau les agressions sexuelles vers la fin de l’album sur I’ll Ask Her, première chanson en anglais, en criant : “Ton pote est un putain de violeur !”

Sur Dodecahedron, elle fait aussi part de sa rage face aux horreurs commises à Gaza par Israël. “Tu veux qu’on se souvienne de toi comme de quelqu’un qui applaudissait la pluie de bombes ?” interroge-t-elle.

Chaotique et accrocheur

Le tout est soutenu par des instrus qui épatent les critiques par leur virtuosité et leur capacité à se transformer. “C’est impressionnant à quel point il est difficile de dire quand la guitare de Scott Fair cède sa place au synthé de Simon Catling”, note aussi le Guardian.

“Certains ne verront pas la différence entre écouter les courts-circuits du groupe et mettre leurs doigts dans une prise. Mais vu le triste état du monde, ceux qui cherchent une catharsis comprendront : au-delà de simplement observer l’injustice, il faut réussir à l’incarner dans toute sa déroutante force”, écrit le quotidien britannique.

L’album n’est pas facile à écouter. Mais c’est là tout son intérêt, car Mandy, Indiana est là pour surprendre et même défier son auditoire avec son énergie imprévisible. C’est “chaotique, bordélique même, mais aussi très accrocheur. Un album et un groupe qu’il faudra garder à l’œil en 2026”, recommande le magazine Clash.

Par Oumeïma Nechi – courrierinternational.com

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Le Cercil – musée mémorial des enfants du Vel d’Hiv réédite un livre passionnant sur le camp d’internement de Jargeau (Loiret), à l’occasion du 80e anniversaire de sa fermeture. Son auteur, Pascal Vion, braque les projecteurs sur une page d’histoire volontairement oubliée pendant des décennies.

« Jargeau a eu aussi son camp de la honte. » Le 25 juillet 1989, la une de « La République du Centre » fait l’effet d’une petite bombe. Le quotidien régional y révèle l’existence du camp d’internement ouvert pendant la Seconde Guerre mondiale. Et cela grâce au mémoire de maîtrise d’un étudiant, Pascal Vion.

Son ouvrage, « Le camp de Jargeau. Juin 1940 – décembre 1945. Histoire d’un camp d’internement dans le Loiret », vient d’être réédité par le Centre d’études et de recherches sur les camps d’internement du Loiret (Cercil), qui avait déjà édité la précédente version en 1995.

Le Cercil a été fondé en 1991 par Hélène Mouchard-Zay, la fille cadette de Jean Zay, ministre de l’Éducation nationale et de la Culture de 1936 à 1939, condamné par Vichy parce que résistant et juif, puis assassiné par la milice le 20 juin 1944. « Parmi les missions que s’est fixées le Cercil, l’éclairage de ce que fut la détention des non-juifs aurait pu être relégué à l’arrière-plan. Mais, déjà, l’exposition présentée par le centre en 1992 avait refusé de négliger cette autre face de l’internement et avait consacré une place particulière au camp de Jargeau », souligne Serge Klarsfeld, auteur de la préface du livre.

Dans le quotidien des internés

Construit pour recevoir les prisonniers allemands, Jargeau est finalement devenu un camp d’internement et a accueilli 1 945 personnes entre le 5 mars 1941 et le 31 décembre 1945, dont 1 365 « individus errants », en raison d’un décret du 6 avril 1940 qui interdit leur circulation sur le territoire.

Jusqu’en décembre 1945, le camp accueille principalement ces nomades, mais aussi des prostituées, des réfractaires au STO, des étrangers ou des politiques. Tous indésirables.

Pascal Vion décrit remarquablement, documents à l’appui, la vie quotidienne des internés. Il a enquêté, examiné une masse considérable d’archives, rencontré des témoins survivants de cette période mais aussi des personnels.

« Je me souviens qu’à la fin des années 1980, il était difficile d’évoquer sans irriter l’histoire du camp de Jargeau avec les habitants de la commune ayant connu la période de l’Occupation. C’étaient des années sombres », souligne Pascal Vion.

Nomades, prostituées, étrangers, politiques… 80 ans après la fermeture du camp de Jargeau, un livre pour ne pas oublier les internés

Il relate dans son ouvrage le refus du conseil municipal en 1990 d’autoriser la pose d’une plaque commémorative sur le site de l’ancien camp de Jargeau devenu collège du Clos Ferbois. En 1991, une stèle est officiellement inaugurée en présence d’anciens internés. Mais elle n’est visible qu’à l’intérieur du collège.

« Pour se souvenir de ce que l’on n’a pas toujours voulu voir »

En 2006, une conférence organisée à la salle polyvalente de Jargeau va tout changer. Plus de 250 personnes y assistent. « Un souvenir inoubliable. Il s’est passé quelque chose ce soir-là, un peu comme si cette histoire était désormais assumée collectivement par les habitants », analyse l’auteur.

Aujourd’hui, il est directeur interrégional des services pénitentiaires du Grand Ouest à Rennes, après avoir occupé plusieurs postes de sous-préfet. Mais les enjeux et les rencontres qu’il a pu réaliser durant sa carrière l’ont souvent ramené aux réflexions de ce travail de jeunesse : « Quelle prise en charge de la marginalité dans notre société ? Comment entretenir la mémoire des hommes et des lieux ? »

Selon lui, la réédition de cet ouvrage rappelle ainsi « l’acuité et la nécessité d’écrire pour se souvenir de ce que l’on n’a pas toujours voulu voir ».

Pascal Vion est l’auteur d’un livre sur le camp d’internement de Jargeau (Loiret), réédité à l’occasion des 80 ans de sa fermeture, en décembre 1945. DR

World Opinion + leparisien.fr

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Avec « Promis le ciel » sorti le 28 janvier, la réalisatrice franco-tunisienne Erige Sehiri signe un deuxième long métrage qui aborde avec sensibilité et nuance les thèmes de la migration, du racisme et de la sororité en Afrique du Nord.

Présenté dans la section « Un certain regard » au dernier Festival de Cannes, « Promis le ciel » suit le parcours de trois femmes ivoiriennes et d’une petite fille orpheline confrontées au racisme en Tunisie. Marie, pasteure ivoirienne et ancienne journaliste, vit à Tunis. Elle héberge Naney, une jeune mère en quête d’un avenir meilleur, et Jolie, une étudiante déterminée qui porte les espoirs de sa famille restée au pays.

Quand les trois femmes recueillent Kenza, 4 ans, rescapée d’un naufrage, leur refuge se transforme en famille recomposée tendre, mais intranquille dans un climat social de plus en plus préoccupant.

A voir, la bande-annonce du film « Promis le ciel » de Erige Sehiri:

Une autre perspective sur la migration

Dans le 12h45 du 30 septembre dernier à l’occasion d’une avant-première genevoise, la réalisatrice Erige Sehiri expliquait son choix de traiter ce sujet: « On parle déjà très très peu de la migration en terre africaine, alors qu’en réalité elle est majoritaire. On parle beaucoup des migrants qui vont vers l’Europe, alors que 80% de la migration se fait à l’intérieur de l’Afrique ». Avec « Promis le ciel », la cinéaste franco-tunisienne souhaite offrir une perspective différente sur la question migratoire, en se concentrant sur les déplacements intra-africains et en mettant en lumière les parcours féminins, souvent négligés dans les récits sur la migration.

Le film s’attache à présenter des personnages complexes et nuancés, loin des stéréotypes habituels sur les migrants. Une approche qui permet de mettre en avant la diversité des parcours migratoires et la singularité de chaque histoire individuelle.

Pour incarner ces personnages, Erige Sehiri a fait appel à des actrices engagées, notamment Aïssa Maïga, connue en France pour ses positions contre le racisme.

Un contexte politique tendu

Le film s’inscrit dans un contexte politique complexe en Tunisie. En 2023, le président tunisien a accusé la population subsaharienne de menacer l’identité arabo-musulmane du pays, provoquant une vague de racisme anti-noir. « Ces questions ne sont pas réglées, c’est encore sensible, difficile pour la population migrante qui essaye de trouver sa place », commentait Erige Sehiri. Elle soulignait également l’influence des pressions européennes sur la politique migratoire tunisienne.

Malgré la sensibilité du sujet, « Promis le ciel » adopte une approche bienveillante et nuancée. Le film ne se contente pas de dépeindre les difficultés, mais montre aussi des moments de joie et d’espoir dans la vie des personnages.

Un appel au dialogue

Après son premier long métrage « Sous les figues » (2002), une immersion dans un verger au plus près de jeunes cueilleuses de figues, Erige Sehiri a poursuivi ici son exploration sensible de la réalité à travers la fiction.

La réalisatrice espère que son film, à la fois politique et poétique, pourra contribuer à ouvrir un dialogue sur les questions de racisme et de migration en Tunisie et ailleurs. Pour Erige Sehiri, il est important de pouvoir critiquer et questionner son pays tout en l’aimant, afin de faire face aux défis sociaux actuels.

Propos recueillis par Julie Evard – RTS Culture +World Opinion

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Sept ans après « The Christmas Present », la superstar britannique Robbie Williams est de retour avec un treizième album, sorti 16 janvier avec trois semaines d’avance. « Britpop » rend hommage à l’âge d’or de la musique anglaise des années 1990.

Après avoir été repoussé à plusieurs reprises et annoncé pour le mois de février, l’album « Britpop » de Robbie Williams a finalement débarqué avec trois semaines d’avance, à la plus grande surprise des fans de la superstar britannique qui a vendu 85 millions d’albums.

Comme son titre l’indique, ce treizième album s’inspire de l’âge d’or de la britpop, mouvement musical issu du rock alternatif britannique qui a marqué les années 1990 avec des groupes emblématiques tels que Blur, Oasis, Suede ou Pulp, dont certains ont d’ailleurs fait leur grand retour l’année dernière sur scène et/ou sur disque. Une époque que Robbie Williams a bien connue, puisqu’il avait alors une vingtaine d’années. Sauf qu’à ce moment-là, il était en pleine gloire au sein du boys band Take That qui jouait dans un tout autre registre.

L’album qui aurait voulu sortir après Take That

La pochette de l’album montre d’ailleurs un portrait du chanteur en survêtement rouge, l’un de ses looks les plus emblématiques du milieu des années 1990, peu après son départ de Take That: « Je m’étais fixé comme objectif de faire l’album que je voulais écrire et publier après mon départ du groupe en 1995, avait-il déclaré lors de l’annonce de l’album. C’était l’apogée du britpop et un âge d’or pour la musique britannique. »

À bientôt 51 ans, Robbie Williams semble avoir trouvé le moyen de se reconnecter à ses racines musicales à travers cet hommage à une époque où l’Angleterre dominait la scène musicale mondiale avec des guitares rock et des artistes au style provocateur. Son nouvel album propose onze titres dans sa version standard et six de plus dans sa version deluxe, dévoilée lundi.

Revisite habile du passé

Entre ballades et pop plus enlevée, Robbie Williams s’est aussi offert les services du guitariste de Black Sabbath, Tony Iommi, sur le morceau d’ouverture des plus binaires baptisé »Rocket ». Sur le morceau « All my Life », il se rapproche clairement de l’esthétique sonore d’Oasis et du chant nonchalant de Liam Gallagher sur « Life Forever » entre autres. D’autres titres comme les très nostalgiques et hédonistes « Spies » et « It’s OK Until the Drugs Stop Working » sortent du lot.

Avec « Britpop », Robbie Williams prouve qu’il peut encore surprendre et séduire en offrant à ses fans une habile plongée nostalgique. Une manière élégante de revisiter son passé musical tout en y apportant une touche contemporaine.

World Opinion + Agences

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Rencontre avec la lauréate du prix Astrid-Lindgren 2025, fameux « Nobel de la jeunesse », une romancière punk et poétique qui éclaire le monde sans jamais s’y complaire.

Quand Marion Brunet a prévenu, par texto, Xavier d’Almeida, son éditeur chez PKJ., qu’elle était la lauréate 2025 du prestigieux prix commémoratif Astrid-Lindgren, il lui a répondu : « Vive le mois d’avril », suivi d’un émoji poisson. Forcément, c’était le premier jour du mois, celui de toutes les blagues. Sauf que c’était vrai. Elle avait décroché le fameux « Nobel de la jeunesse », prix littéraire international doté d’une récompense de 5 millions de couronnes suédoises, soit plus de 462 000 euros.

Elle est la seconde Française à le recevoir, après Jean-Claude Mourlevat, en 2021. Marion Brunet a publié sur sa page Facebook l’enregistrement d’une conversation téléphonique : cueillie au saut du lit, elle a la voix embrumée par le sommeil et la fumée de cigarette. Au bout du fil, Boel Westin, présidente du jury, lui présente ses « plus chaleureuses félicitations », tandis que l’autrice, sidérée, éclate d’un rire si joyeux qu’il gagne aussitôt cette grande dame des lettres scandinaves.

« C’est rare, les gens qui font l’unanimité »

Il y a toujours de la joie autour de Marion Brunet, on le savait pour l’avoir déjà croisée dans des festivals littéraires : elle appartient à cette catégorie de personnes qui attirent et renvoient la lumière, elle est de ceux et celles qu’on suit des yeux sans qu’ils en tirent jamais de gloire – c’est leur nature.

Attablée en terrasse, près de la gare de Lyon, cette Marseillaise d’adoption, née en 1976, nous attend, ses yeux gris-vert pétillants sous une tignasse courte un peu ébouriffée, des bagues assez phénoménales à presque tous les doigts, dont une en argent représentant un gros poulpe : « J’adore, c’est un animal très gracieux, tellement intelligent, vous savez qu’il peut dévisser le couvercle des pots de confiture ? » dit-elle en mimant des tentacules avec ses mains. On a vu des romancières se prendre au sérieux, surtout après avoir décroché un immense prix littéraire. Marion Brunet fait le poulpe.

« Elle est comme ça : simple et chaleureuse, raconte Xavier d’Almeida, l’éditeur qui se remet à peine de ce poisson d’avril qui n’en était pas un. Elle est lauréate du second prix littéraire le mieux doté du monde, et je n’entends personne persifler qu’il est jaloux. Tout le monde l’aime, et c’est normal : elle est généreuse en tout. C’est rare, les gens qui font l’unanimité. »

On veut comprendre d’où vient sa lumière. Comment a-t-elle grandi ? Elle rit de l’exercice un peu scolaire de l’autoportrait : « Je suis née dans un tout petit village du Vaucluse, j’ai une sœur aînée, mes parents étaient éducateurs spécialisés, je n’étais pas super bonne élève, sauf en français… » Il y a des livres partout chez elle, alors elle lit, « trois bouquins par semaine ».

« J’ai été formée par le classique, la tragédie grecque, le théâtre. Plus tard, Steinbeck, Fante, Joyce Carol Oates. À la fin du lycée, j’ai eu une grosse période russe. Dostoïevski, Tolstoï. Le théâtre de Sartre. Mon chouchou absolu, c’était Guy de Maupassant.Une Vie. Bel Ami. SurtoutBel Ami, l’histoire d’un salopard qui monte les échelons en utilisant les femmes. Elles sont toutes plus intelligentes que lui, mais il a le pouvoir parce que c’est un homme. Et Boule de Suif. Une prostituée dans une diligence, que tout le monde méprise, mais qui leur sauve la mise. La littérature qui se préoccupe des petites gens, ça m’a toujours plu… »

Des tiroirs pleins de manuscrits

Les « petites gens », avant d’en faire le cœur de sa littérature, Marion Brunet s’en est d’abord préoccupée dans la vraie vie. Après une maîtrise d’écriture créative, l’une des toutes premières en France, qui n’aboutit pas à la publication d’un roman, elle s’oriente, comme ses parents, vers la profession d’éducatrice spécialisée.

Pendant quinze ans, elle travaille au contact de femmes seules avec enfants, dans des foyers d’accueil d’urgence pour mineurs, dans un hôpital de jour pour adolescents atteints de troubles psychiatriques… « J’ai adoré ce métier, mais j’en avais marre. Autant de l’institution que de la fatigue psychique que provoque le fait d’être en contact, au quotidien, avec la psychose. J’étais à vif… » Une amie d’enfance lui donne le genre de conseil qui fait basculer une vie : « Depuis que je te connais, tu écris. Il faut que tu publies ! »

Les tiroirs de Marion Brunet sont pleins de manuscrits. « Gamine, j’inventais des histoires, ado, des poèmes, jeune adulte, de l’autofiction un peu chiante qui se regardait écrire… » Elle a envoyé deux manuscrits à des maisons d’édition. Le premier, à la vingtaine, fruit de son travail de maîtrise, est resté lettre morte. Le deuxième, à 30 ans, était un recueil de nouvelles qui lui avait valu quelques lettres de refus manuscrites, avec des encouragements.

« Le problème, c’est que je racontais ma propre histoire. Des bribes de légende familiale, le mal-être dans lequel j’étais, tout ça plein de bons sentiments. C’était très irritant. » La jeunesse la sort de ses ornières. « Je me suis souvenue de ce que je racontais quand j’étais gosse. Des aventures très humanistes, une histoire qui se passait dans une réserve amérindienne, une autre qui réunissait deux personnages pendant le séisme qui a dévasté l’Arménie, en 1988. Je me suis dit que la solution était peut-être de redevenir fidèle à la petite fille que j’étais, la raconteuse d’histoires qui regardait le monde. Écrire pour elle, comme elle. »

S’adresser à un public « plus grand »

Marion Brunet ne connaît pas, alors, la littérature jeunesse contemporaine. Elle se penche sur les catalogues, est renversée par la qualité de ce qu’elle découvre. Elle sent que le secteur l’éloigne de son « nombril »,comprend la vertu de l’exercice et s’attelle à la rédaction de Frangine, son premier roman, dont elle fait lire quelques chapitres à Thibault Bérard, alors éditeur chez Sarbacane. Il adore.

Elle publie en 2013 ce premier roman pour ados mettant en scène un frère et une sœur élevés par deux femmes, aux prises avec les préjugés de leur entourage et les tourments de la vie. Marion Brunet reçoit un bon accueil, publie un deuxième roman pour ados, La Gueule du loup, toujours tourné vers les problématiques sociales et intimes de l’adolescence, puis deux romans pour petits lecteurs.

Elle commence à ressentir l’envie de s’adresser à un public « plus grand ». En 2016, elle fait paraître Dans le désordre, toujours destiné aux adolescents, grande histoire d’amitié sur fond de révolte, très politique. Elle reçoit le prix Ados en colère, pour Frangine, au Salon du livre d’expression populaire et de critique sociale d’Arras.

Là, elle rencontre Stéfanie Delestré, actuelle directrice de la « Série noire », chez Gallimard, à l’époque éditrice chez Albin Michel. « Elle m’a dit : “Tu sais quoi, Dans le désordre, j’aurais pu le publier en rayon adulte ! » » C’est le déclic. Marion Brunet écrit L’Été circulaire, superbe roman noir questionnant la liberté des femmes, le déclassement social, le racisme…

Elle le propose à Stéfanie Delestré, qui lui suggère de le montrer à d’autres éditeurs. Tous acceptent : Aurélien Masson chez Gallimard, Adrien Bosc et Gwenaëlle Denoyers au Seuil, Glenn Tavennec chez Robert Laffont, Pierre Fourniaud à La Manufacture de livres…

Marion Brunet regrette que Stéfanie Delestré ne veuille pas d’elle, l’éditrice dissipe le malentendu : elle voulait juste prouver à son autrice qu’elle avait le choix. L’Été circulaire sort en 2018 chez Albin Michel. Sans être publié dans le secteur polar, il vaut à la romancière le Grand Prix de littérature policière et lui ouvre un large public.

Irrévérence et élégance

Les idées se bousculent dans la tête de Marion Brunet, qui, pour sa part, bouleverse tout : les genres, les codes, les âges. Elle publie deux romans chez PKJ., Sans foi ni loi (2019) et Plein Gris (2021), un western et un roman d’aventure en mer, portés par son écriture singulière, tout en envolées nerveuses et ralentissements superbes, et deux magnifiques romans adultes, Vanda (2020) et Nos armes (2024), se lance dans une trilogie dystopique pour ados (Ilos, dont le deuxième tome vient de paraître), trace son chemin entre irrévérence punk et élégance poétique, pareille à nulle autre, forcément remarquée, jusqu’à ce prix commémoratif Astrid-Lindgren, qui la touche particulièrement, car il récompense « l’ensemble de son œuvre » : « Ils m’ont beaucoup parlé des personnages adolescents de L’Été circulaire, qui pourtant ne les concerne pas. »

Plusieurs de ses romans destinés à la jeunesse sortent en poche en secteur adulte. « Les personnages de ses romans pour adultes sont presque les mêmes que ceux de ses romans pour ados, c’est comme s’ils vieillissaient sous nos yeux », complimente Xavier d’Almeida.

« LA GUEULE DU LOUP » Sarbacane (232 p., 16 €).« L’ÉTÉ CIRCULAIRE » Albin Michel (272 p., 18 €).« PLEIN GRIS » PKJ. (224 p., 16,90 €).« NOS ARMES » Albin Michel (384 p., 20,90 €).« ILOS » PKJ. (240 p., 16,90 €).

À la douceur et à la gaieté de Marion Brunet répondent ses romans noirs, portés comme des droites. L’image fait mouche : son prochain roman (adulte) se passera dans le milieu de la boxe. « Évidemment, je suis en colère, la violence m’intéresse, je milite ardemment pour les droits des femmes, pour les droits sociaux. Mais la lumière, on ne la voit jamais aussi bien que dans le noir. Mes livres sont bourrés de tendresse, parce qu’il y a toujours quelque chose qui sauve. »

On n’écrira pas grand-chose de la vie privée de Marion Brunet. Elle a un fils de 14 ans, en garde alternée, à qui elle a transmis sa certitude qu’un câlin peut régler la plupart des problèmes. « Ce prix arrive après un très gros problème de santé », confie Xavier d’Almeida. Elle est d’accord pour qu’on le cite, sans commentaire.

Le jour où nous nous rencontrons, elle prépare son discours pour la remise du prix commémoratif Astrid-Lindgren, le 9 juin, à Stockholm. Elle a noté quelques phrases du discours de Camus qu’elle a écouté et qui l’a bouleversée. Elle lit : « [L’écrivain] ne peut se mettre aujourd’hui au service de ceux qui font l’Histoire : il est au service de ceux qui la subissent. » Une émotion trouble ses iris d’étain, alors elle plaisante : « Il m’a tout pris, le salaud ! » Et bien sûr elle rit. Irrésistible.

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Fiction autour d’une amitié entre un enfant et un panda, le dernier film de Gilles de Maistre sorti le 9 avril a été tourné dans une réserve chinoise avec de vrais animaux et sans effets spéciaux. La réalisation de « Moon le panda » a constitué un gros défi pour le cinéaste français.

« Le pari exceptionnel de ce film était de mettre en présence un vrai panda et un vrai enfant, de montrer à quel point on peut nouer des relations et à quel point c’est magique et beau », résume avec enthousiasme Gilles de Maistre dans l’émission Vertigo du 9 avril.

Journaliste et réalisateur, le Français a d’abord tourné des documentaires avant de réaliser plusieurs films autour de la relation entre un animal et un enfant (« Mia et le lion blanc », Le loup et le lion », « Le dernier jaguar »). Des fictions tournées uniquement avec de véritables animaux, sans trucages ni images de synthèse, afin de ne pas tomber dans l’anthropomorphisme.

Sa dernière fiction, « Moon le panda », continue sur cette lancée. Elle raconte l’amitié qui se noue entre un panda et un jeune garçon, permettant à ce dernier de retrouver le goût à la vie grâce à cette rencontre.

A voir, la bande-annonce du film » Moon le panda »:

Autorisations chinoises pour filmer

Tourné dans un centre de recherche et de reproduction dédié aux pandas géants dans une réserve du Sichuan, ce film n’a été possible qu’avec l’accord des autorités chinoises. Ce qui n’était pas gagné d’avance, sachant qu’aucune autorisation de filmer avec cet animal n’avait, semble-t-il, plus été donnée depuis vingt-cinq ans.

Pour Gilles de Maistre, ce qui a fait pencher la balance est sans doute tout d’abord le fait que ce film est une « déclaration d’amour à la nature » et qu’il montre en toile de fond les difficultés et le travail effectué pour protéger cet animal en voie de disparition. Puis de poursuivre: « J’imagine aussi que mon parcours et ma façon de travailler avec les animaux avec beaucoup de respect les a touchés. »

Nous, on ne dresse pas les animaux. On collabore avec eux, on entre dans leur monde pour faire nos films

Gilles de Maistre, réalisateur de « Moon le panda »

Un mois de tournage en forme de défi

Une fois sur place, le tournage a aussi été un défi. Très encadrée par les responsables de la réserve, l’équipe du film a dû s’adapter aux comportements et aux caractères des animaux. De plus, les moments de tournage étaient très courts, les pandas passant beaucoup de temps à manger du bambou et à dormir.

« On savait qu’on aurait peu de temps avec le panda, que c’était exceptionnel et qu’il fallait profiter de chaque seconde. C’était un challenge et c’était compliqué, mais on a utilisé au mieux ce mois de tournage qui s’est très bien passé, parce qu’on était très calme. Et à chaque fois qu’on avait envie de tourner et que le panda était là, il y a eu des moments incroyables. »

Un vrai coup de foudre entre les pandas et l’acteur

Lors du tournage, le scénario a aussi dû être adapté à la réalité du terrain et des interactions possibles entre le panda et le jeune acteur. « C’est le deuxième miracle du film [après les autorisations de tournage] », confie le réalisateur. Il y a eu un coup de foudre amical entre ces trois êtres: le bébé panda pour le début du film, un adulte pour la deuxième partie et l’acteur ». Jeune comédien franco-chinois, Noé Liu Martane a su créer cette relation. « C’est ce qui rend les images absolument incroyables », estime Gilles de Maistre.

Une fiction qui a aussi un goût d’authenticité puisque le père et la soeur de Noé Liu Martane jouent à ses côtés. Et le réalisateur de préciser que les tensions entre le père et fils dans le film reflètent bien celles vécues dans la réalité au sein de cette famille connue en Chine.

World Opinions – RTS Culture

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Développé par des étudiants parisiens, « Symphonia » allie l’univers du jeu vidéo à celui de la musique classique. Avec sa bande-son de qualité, son gameplay exigeant et ses graphismes entièrement dessinés à la main, ce jeu de plateforme 2D sorti le 5 décembre se distingue par son originalité.

Symphonia est un royaume où la musique est une source de vie et d’énergie. Mais depuis que les fondateurs et leur orchestre ont disparu, ce monde est tombé dans le silence. Philémon, mystérieux violoniste virtuose présenté sous l’apparence d’un oiseau, est ramené à la vie pour tenter de réunir un nouvel orchestre afin de réanimer ce royaume musical laissé à l’abandon.

Grâce à son archet qui lui permet de sauter et de rebondir, il explore un environnement plein de poésie, de musique et de machines, dans lequel il doit relever des défis et des énigmes pour progresser. Ainsi, jouer du violon permet d’activer des éléments de niveau et organiser des concerts avec d’autres musiciens, d’insuffler de la vie dans ce royaume moribond.

La musique classique au coeur du jeu

Jeu de plateforme 2D non violent, « Symphonia » n’est pas un jeu facile. Il faut être précis, mais surtout prêt à mourir souvent avant de progresser. Le jeu s’imprégnant des codes de la musique classique qui est partout, les concepteurs ont mis beaucoup de soin et d’attention à la bande-son. Composés par le sound designer Olivier Esman et inspirés de la période romantique, les morceaux ont été enregistrés par le Scoring Orchestra Paris.

>> A voir, la bande-annonce du jeu vidéo « Symphonia »:

Développé par des élèves de l’ISART, une école du jeu vidéo et d’animation parisienne, « Symphonia » était au départ un projetde fin d’études présenté en 2020. Outre son originalité, le jeu se démarque aussi par sa qualité visuelle et ses graphismes entièrement dessinés à la main. Auréolé de plusieurs prix, « Symphonia » est désormais disponible sur PC et sur les principales consoles de jeu.

World Opinions + Agences

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