Face à la puissance des « majors » et des plateformes de streaming, ils sont un maillon indispensable de la création musicale. Mais l’économie des « indés » reste le plus souvent précaire.

On trouve de tout chez Ground Zero. Rock, pop, funk ou afrobeat, le disquaire installé à Paris et Montpellier est généraliste. Dans les bacs, le dernier Taylor Swift côtoie les productions de labels indépendants confidentiels. « On doit avoir les deux, on ne tiendrait pas si on faisait du 100% indé », explique Alban, le vendeur du magasin parisien, à franceinfo Culture. « C’est plus dur pour les petits labels aujourd’hui« . Apparemment, la hausse des ventes de vinyles, +15% en 2025, ne profite pas à tout le monde.

« C’est très inégalement réparti », confirme Franck Pompidor, fondateur et gérant de Ground Zero. « Les plus gros vendeurs tirent les chiffres vers le haut. Et le plus souvent, ce sont des artistes de majors« . Les majors : Universal Music Group, Sony Music Entertainment, Warner Music Group. La trinité de l’industrie musicale pèse aujourd’hui autour de 70% du marché. Une domination sans partage, pas seulement sur les nouveautés. La plupart des enregistrements antérieurs aux années 1990 leur appartiennent. « Les valeurs sûres, les vieux tubes, c’est aussi une bonne part des ventes depuis le retour du vinyle. Ça non plus, ça ne fait pas les affaires des indépendants », conclut Franck Pompidor. Où en est l’économie des labels indépendants ? Nous avons mené l’enquête, à l’occasion d’une des grandes journées de fête du disque, le Disquaire Day, le 18 avril.

« Ça tient parce que je suis un psychopathe »

« Ça veut dire quoi des ventes en hausse si les gens achètent des vieux vinyles d’AC/DC ressortis par Sony? » soupire Jean-Baptiste Guillot chez Born Bad Records. « Ce qui est sûr, c’est qu’on a de plus en plus de mal à faire émerger des groupes ». Son label, c’est pourtant la référence du rock « indé ». Ni dieu ni maître, 20 ans de passion fêtés cette année, un catalogue de 200 albums(Nouvelle fenêtre), pépites du rock alternatif français. Mais le patron et toujours unique salarié de Born Bad a un peu le blues. « Je fais tout tout seul, je suis un artisan qui sort des disques et développe des artistes. Mais aujourd’hui, si tu n’es pas dans la playlist ‘Salle de sport’ ou ‘Barbecue’ de Spotify c’est mort, ça ne percera pas ».

Pourtant, selon Spotify, la moitié des revenus générés par le streaming sont versés à des artistes ou des labels indépendants. « Ça ne veut rien dire« , tranche Jean-Baptiste Guillot. Il n’y a que trois majors alors qu’il y a des millions d’artistes auto-produits sur Spotify, c’est tout. Mais la plupart touchent très peu. Et leur musique y est concurrencée par des trucs générés par IA ! » Amer, il ne voit pas le modèle de label qu’il incarne perdurer. « Ça tient parce que je suis un psychopathe, installé et déterminé. Ça donne un sens à ma vie, mais c’est irrationnel. »

Pessimiste Jean-Baptiste Guillot ? « Non, il a raison », affirme Céline Lepage, secrétaire générale de la Fédération des labels et distributeurs indépendants (FÉLIN). « Un label de pure production phonographique comme le sien, assis sur un réseau de distribution bâti avec 20 ans d’efforts, ça n’existera bientôt plus« . Mais un nouveau modèle prend la relève, assure-t-elle. Plus diffus, plus diversifié, il propose aux artistes un accompagnement global, de l’édition à la gestion des followers et des réseaux, indispensables pour se faire repérer sur les plateformes… « C’est quelque chose entre le label, le producteur de disques et l’agent d’artiste », décrit Céline Lepage.

Exemple : Baco Records, discrète success story de l’industrie musicale française. Un « label d’artiste » créé autour de Danakil. En 2011, le groupe phare du reggae français, pas vraiment fan des majors, a décidé de gérer lui-même ses albums. « Rapidement, on s’est rendu compte qu’un disque nous rapporterait double si on était aussi distributeur« , raconte Mathieu Dassieu, saxophoniste du groupe aujourd’hui à la tête du label. « On s’est pris au jeu et on a commencé à travailler pour le compte de groupes rencontrés sur la route. Petit à petit, c’est devenu ce qu’on appelle un ‘label 360’ : à la fois studio d’enregistrement, distributeur, éditeur et organisateur de tournées« .

La PME Baco Records(Nouvelle fenêtre), c’est aujourd’hui 32 salariés, 4 sites en France et des noms aussi prestigieux que Clinton Fearon(Nouvelle fenêtre) ou Groundation(Nouvelle fenêtre). En chemin, le label s’est ouvert à d’autres genres que le reggae. Après 20 ans de farouche auto-production, le vieux routier du rap français Yoshi s’est laissé convaincre. « J’ai pesé le pour et le contre« , explique l’artiste. « Toutes les formalités, c’est du temps qui n’est pas consacré la création artistique. Maintenant Baco s’occupe de tout et ils ont des moyens que je n’ai pas pour gérer mon image ».

Adieu l’indépendance alors ? « Ce n’est pas une major« , répond Yoshi. « J’écoute leurs conseils mais ils me laissent libre de mes choix artistiques. Évidemment, ils prennent un pourcentage, mais mieux vaut une petite part du gâteau que pas de gâteau du tout ! ».

En fonction des artistes, coproduction, licence, ou contrat prenant en charge tous les frais de A à Z, le label perçoit 30 à 80% des revenus générés. Mais le modèle reste fragile. « On est extrêmement dépendant des crédits d’impôt, des subventions, de toutes les aides à la création » reconnaît Mathieu Dassieu. « C’est ce qui garantit un modèle soutenable à de nombreux labels indépendants. Mais si les élections de 2027 tournent mal, vu les programmes et les coupes budgétaires annoncées, ça peut être dramatique« .

Voilà pourquoi Cracki Records, autre indépendant emblématique de la scène française, a choisi une autre voie. Fêtes, festival, release party à chaque sortie d’album : le label mise sur l’évènementiel, le métier de départ de ses deux fondateurs.

« Il faut se réinventer en permanence »

« Les subventions, il faut voir ça comme un bonus, mais si possible ne pas en vivre. Nous on a commencé par organiser des soirées dans des usines il y a 15 ans », raconte Donatien Cras de Belleval. « Ça a eu un certain succès et du coup, on a pu financer le label dont on rêvait. L’idée, c’était vraiment de sortir du label typique français, où on ne fait que du garage punk, ou que de l’électro ».

Le catalogue de Cracki Records est aujourd’hui riche de plus de 100 références, de la house à la pop en passant par la techno ou le disco. Mais l’évènementiel reste l’un des piliers de son modèle économique. Début mars 2026, le label a ouvert PRINT : un immeuble de bureau loué pour trois mois avant sa rénovation. Au menu : gastronomie, bar, expositions, librairie et bien sûr concerts. « Il faut expérimenter, se réinventer en permanence, parce que tout évolue hyper vite. Il y a seulement 15 ans, il n’y avait plus de CD, les vinyles n’étaient pas encore revenus et on téléchargeait la musique illégalement ! Mais on a tenu le coup et on réussit à en vivre, c’est déjà bien ! »

Effectivement, ce n’est pas le cas de tout le monde. Pour beaucoup des 1 500 producteurs de musique indépendants en France, labels ou artistes auto-produits, la précarité reste la norme. « J’arrive à me payer… de temps en temps« , témoigne Thomas Persuy, à la tête du label 18heures48(Nouvelle fenêtre), qui navigue entre électro exigeante, pop et chanson. « En 2024, pas un sou de revenu, j’ai vécu des minima sociaux. Là ça va mieux ». Son boulot, dit-il, c’est juste de trouver assez de cachets à ses artistes pour que eux vivent de la musique.

Même si ce n’est pas seulement la leur… « Mon projet personnel ne rapporte rien pour l’instant », témoigne ZAYKA, l’un des artistes du label. « Je suis obligé de faire plein de trucs en intermittence à côté, c’est compliqué. Le label gère tout le reste, du mix à la diffusion. Sinon je n’aurais pas le temps de créer ma propre musique en fait« . Et ça, c’est exactement ce qui pousse le patron de 18heures48 à continuer. « Je n’ai aucun talent, mais je suis aux premières loges ! », sourit Thomas Persuy. « Voir évoluer le projet d’un artiste, de la première maquette au disque final, c’est un privilège énorme. Je continuerai aussi longtemps que je le pourrai. »

World Opinion + France Culture

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Mandy, Indiana est un groupe à suivre en cette année 2026. Les Mancuniens frappent fort avec leur deuxième album, “Urgh”, sorti le 6 février. Et la presse britannique est très enthousiaste, décrivant des morceaux empreints de rage face à l’état chaotique du monde.

C’est une musique qui vient des tripes, viscérale. Mêlant noise rock, industriel et sonorités techno, Mandy, Indiana lance un cri de colère avec Urgh, leur deuxième album, sorti le 6 février. L’opus prend la forme d’une “critique sociale acerbe de notre bien sombre époque”, selon le magazine spécialisé Clash.

Le groupe de Manchester est emmené par une Frenchie, Valentine Caulfield, qui chante principalement en français. C’est pour ses études que la chanteuse est allée s’installer dans la cité du nord de l’Angleterre, où elle a formé en 2016 son groupe avec trois Anglais : Scott Fair à la guitare, Simon Catling au synthé et Alex Macdougall à la batterie. Le mélange des genres opéré par la bande a en tout cas séduit les critiques outre-Manche.

Des paroles hargneuses

Le titre annonce d’emblée la couleur d’un disque qui reflète l’angoisse et la fatigue de l’époque. “L’incroyable polyvalence de Macdougall et les staccatos de Caulfield électrisent la plupart de leurs chansons, menées à un trot enlevé, libre, absolument addictif, que des bourrasques et des sons stridents font souvent dérailler : la menace plane en permanence”, décrit The Guardian.

The Financial Times apprécie les “paroles hargneuses face aux injustices”, abordant des thèmes tels que la masculinité toxique ou l’indifférence face aux conflits. Le morceau Magazine, par exemple, “raconte un fantasme, celui de se venger d’un agresseur sexuel, dans un crescendo d’effroi”. Valentine Caulfield dénonce de nouveau les agressions sexuelles vers la fin de l’album sur I’ll Ask Her, première chanson en anglais, en criant : “Ton pote est un putain de violeur !”

Sur Dodecahedron, elle fait aussi part de sa rage face aux horreurs commises à Gaza par Israël. “Tu veux qu’on se souvienne de toi comme de quelqu’un qui applaudissait la pluie de bombes ?” interroge-t-elle.

Chaotique et accrocheur

Le tout est soutenu par des instrus qui épatent les critiques par leur virtuosité et leur capacité à se transformer. “C’est impressionnant à quel point il est difficile de dire quand la guitare de Scott Fair cède sa place au synthé de Simon Catling”, note aussi le Guardian.

“Certains ne verront pas la différence entre écouter les courts-circuits du groupe et mettre leurs doigts dans une prise. Mais vu le triste état du monde, ceux qui cherchent une catharsis comprendront : au-delà de simplement observer l’injustice, il faut réussir à l’incarner dans toute sa déroutante force”, écrit le quotidien britannique.

L’album n’est pas facile à écouter. Mais c’est là tout son intérêt, car Mandy, Indiana est là pour surprendre et même défier son auditoire avec son énergie imprévisible. C’est “chaotique, bordélique même, mais aussi très accrocheur. Un album et un groupe qu’il faudra garder à l’œil en 2026”, recommande le magazine Clash.

Par Oumeïma Nechi – courrierinternational.com

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Sept ans après « The Christmas Present », la superstar britannique Robbie Williams est de retour avec un treizième album, sorti 16 janvier avec trois semaines d’avance. « Britpop » rend hommage à l’âge d’or de la musique anglaise des années 1990.

Après avoir été repoussé à plusieurs reprises et annoncé pour le mois de février, l’album « Britpop » de Robbie Williams a finalement débarqué avec trois semaines d’avance, à la plus grande surprise des fans de la superstar britannique qui a vendu 85 millions d’albums.

Comme son titre l’indique, ce treizième album s’inspire de l’âge d’or de la britpop, mouvement musical issu du rock alternatif britannique qui a marqué les années 1990 avec des groupes emblématiques tels que Blur, Oasis, Suede ou Pulp, dont certains ont d’ailleurs fait leur grand retour l’année dernière sur scène et/ou sur disque. Une époque que Robbie Williams a bien connue, puisqu’il avait alors une vingtaine d’années. Sauf qu’à ce moment-là, il était en pleine gloire au sein du boys band Take That qui jouait dans un tout autre registre.

L’album qui aurait voulu sortir après Take That

La pochette de l’album montre d’ailleurs un portrait du chanteur en survêtement rouge, l’un de ses looks les plus emblématiques du milieu des années 1990, peu après son départ de Take That: « Je m’étais fixé comme objectif de faire l’album que je voulais écrire et publier après mon départ du groupe en 1995, avait-il déclaré lors de l’annonce de l’album. C’était l’apogée du britpop et un âge d’or pour la musique britannique. »

À bientôt 51 ans, Robbie Williams semble avoir trouvé le moyen de se reconnecter à ses racines musicales à travers cet hommage à une époque où l’Angleterre dominait la scène musicale mondiale avec des guitares rock et des artistes au style provocateur. Son nouvel album propose onze titres dans sa version standard et six de plus dans sa version deluxe, dévoilée lundi.

Revisite habile du passé

Entre ballades et pop plus enlevée, Robbie Williams s’est aussi offert les services du guitariste de Black Sabbath, Tony Iommi, sur le morceau d’ouverture des plus binaires baptisé »Rocket ». Sur le morceau « All my Life », il se rapproche clairement de l’esthétique sonore d’Oasis et du chant nonchalant de Liam Gallagher sur « Life Forever » entre autres. D’autres titres comme les très nostalgiques et hédonistes « Spies » et « It’s OK Until the Drugs Stop Working » sortent du lot.

Avec « Britpop », Robbie Williams prouve qu’il peut encore surprendre et séduire en offrant à ses fans une habile plongée nostalgique. Une manière élégante de revisiter son passé musical tout en y apportant une touche contemporaine.

World Opinion + Agences

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Développé par des étudiants parisiens, « Symphonia » allie l’univers du jeu vidéo à celui de la musique classique. Avec sa bande-son de qualité, son gameplay exigeant et ses graphismes entièrement dessinés à la main, ce jeu de plateforme 2D sorti le 5 décembre se distingue par son originalité.

Symphonia est un royaume où la musique est une source de vie et d’énergie. Mais depuis que les fondateurs et leur orchestre ont disparu, ce monde est tombé dans le silence. Philémon, mystérieux violoniste virtuose présenté sous l’apparence d’un oiseau, est ramené à la vie pour tenter de réunir un nouvel orchestre afin de réanimer ce royaume musical laissé à l’abandon.

Grâce à son archet qui lui permet de sauter et de rebondir, il explore un environnement plein de poésie, de musique et de machines, dans lequel il doit relever des défis et des énigmes pour progresser. Ainsi, jouer du violon permet d’activer des éléments de niveau et organiser des concerts avec d’autres musiciens, d’insuffler de la vie dans ce royaume moribond.

La musique classique au coeur du jeu

Jeu de plateforme 2D non violent, « Symphonia » n’est pas un jeu facile. Il faut être précis, mais surtout prêt à mourir souvent avant de progresser. Le jeu s’imprégnant des codes de la musique classique qui est partout, les concepteurs ont mis beaucoup de soin et d’attention à la bande-son. Composés par le sound designer Olivier Esman et inspirés de la période romantique, les morceaux ont été enregistrés par le Scoring Orchestra Paris.

>> A voir, la bande-annonce du jeu vidéo « Symphonia »:

Développé par des élèves de l’ISART, une école du jeu vidéo et d’animation parisienne, « Symphonia » était au départ un projetde fin d’études présenté en 2020. Outre son originalité, le jeu se démarque aussi par sa qualité visuelle et ses graphismes entièrement dessinés à la main. Auréolé de plusieurs prix, « Symphonia » est désormais disponible sur PC et sur les principales consoles de jeu.

World Opinions + Agences

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Souad Massi, artiste franco-algérienne considérée comme l’une des plus belles voix féminines d’Afrique du Nord, est devenue un visage incontournable dans le paysage folk-rock au fil de ses vingt ans de carrière. L’artiste se produit le 23 juin dans le cadre de la Fête de la musique à Genève.

>> A voir: le clip de Souad Massi, « Dessine-moi un pays »

En une chanson en direct à la radio, Souad Massi est devenue une célébrité anonyme. Tout le monde parlait d’elle, mais personne ne savait qui elle était. Quelques années plus tard, en 2001, Souad Massi est disque d’or en France avec son premier album, « Raoui », et s’impose comme la porte-parole de la jeunesse algérienne.

Depuis, en anglais, en arabe, en français ou en langue berbère, l’artiste poursuit son chemin en mélangeant les genres musicaux. « J’ai beaucoup de chance, grâce à mon métier, de pouvoir voyager. Cette liberté est tellement belle qu’elle se traduit d’elle-même de manière spontanée dans ma musique. Ce sont les découvertes et les belles rencontres », explique-t-elle dans l’émission Vertigo du 20 juin.

Son dernier album, « Sequana », est paru en 2022. Son chemin la mène aujourd’hui à Genève, dans le cadre de la Fête de la musique, où elle se produira sur la scène Ella Fitzgerald dimanche 23 juin après le groupe El Mizan (lire encadrés).

>> A voir: le clip de la chanson « Enta Wena » de Souad Massi

L’amour de la musique pour refuge

Née en 1972 à Alger où elle grandit, enfant d’une timidité maladive, Souad Massi apprend de sa mère et de sa grand-mère le goût de la liberté dans une société algérienne masculiniste. Issue d’une famille de mélomanes, c’est son frère, pianiste, qui l’initie à la musique en l’inscrivant à des cours de guitare à 17 ans. Elle apprécie le flamenco et se produit sur scène avec le groupe Les Trianas d’Alger en 1989.

A 20 ans, Souad Massi rejoint un groupe de hard-rock, Atakor, qui rencontre un beau succès avec une première cassette, dans le contexte sombre de la guerre civile en Algérie dans les années 1992-2002. « Je ne crois pas que j’étais consciente des dangers. J’étais tellement animée par l’amour de la musique que c’était mon refuge. Le mien et celui de ma famille, parce qu’on aimait la musique. Avec cet amour, j’ai pu dépasser toutes mes peurs. C’est la seule chose qui me donnait de l’espoir », raconte Souad Massi.

Une discrétion médiatique étonnante

En 1999, Souad Massi arrive en France. Invitée au festival Femmes d’Alger au Cabaret Sauvage à Paris, elle est repérée par le label Mercury Records et voit alors sa carrière exploser. Aujourd’hui, Souad Massi a vendu des centaines de milliers d’albums entre rock, folk et flamenco, et collaboré notamment avec Francis Cabrel, Marc Lavoine, Manu Katché ou encore Justin Adams. Elle remplit les plus grandes salles du monde, a reçu quantité de prix et de distinctions, assume ses engagements féministes et libertaires avec pour ligne de conduite de « toujours donner le meilleur de soi-même ».

L’artiste se produit partout – Paris, Oslo, Hambourg, Genève – avec une discrétion médiatique étonnante. Sa promotion et sa communication, la chanteuse ne les fait pas sur les réseaux sociaux. « Pour moi, le plus important, c’est de me produire dans de belles salles et que mon public soit là, alors ça me va », dit-elle avec humilité.

Souad Massi est aussi une femme pleine de contrastes, notamment sa grande timidité qui entre en contradiction avec l’artiste qu’elle est sur scène quand elle joue devant des milliers de personnes. « Quand je monte sur scène, quelque chose se passe, quelque chose m’accompagne: une belle énergie qui me donne de la force. Je ne sais pas comment l’expliquer ».

World Opinions – RTS Culture

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Les 9 et 10 août prochains, la scène ouverte de la Place de la Concorde à Paris accueillera les premières épreuves olympiques de breakdance. Seize B-Boys et seize B-Girls de tous pays s’affronteront à un contre un dans des battles qui s’annoncent d’ores et déjà spectaculaires.

Pas de pointes ni de tutus, pas d’arabesque non plus, mais des enchaînements spectaculaires de mouvements saccadés, glissades sur le ventre, toupies sur la tête, équilibre à une main, saltos en avant et en arrière. Le breakdance, cette danse née dans les rues de New York comme toute la culture hip-hop, s’apprête à devenir une discipline olympique aux prochains Jeux olympiques de Paris.

« Cette discipline se démarque par sa dimension acrobatique, ses figures au sol ainsi que par le rôle clé joué à la fois par le DJ et le MC (maître de cérémonie) lors des battles », rappelle le site des JO de Paris 2024. Une discipline certes, mais le breakdance est-il plutôt une danse ou un sport, une performance physique ou artistique?

Pour la danseuse et professeure de breakdance Milady Lubrano, la réponse est claire: « Le breakdance est avant tout un art, puisque c’est de la danse. Cet art fait partie du mouvement culturel et artistique hip-hop comme le rap, le MCing pour le chant, le DJing pour la musique ou encore le graff pour le dessin », indique-t-elle dans l’émission Vertigo du 26 avril.

De la danse pour contrer la violence

Cette danse est née dans les années 1970, à une époque où brutalité et pauvreté règnent dans les rues de Manhattan. La municipalité de New York décide alors d’éloigner cette violence du centre vers les quartiers périphériques, donnant naissance aux ghettos de Harlem, du Queens, de Brooklyn ou du Bronx, berceau du hip-hop, rappelle Milady Lubrano, également autrice du livre « Les danses de la culture hip-hop » paru aux éditions L’Harmattan.

Les guerres entre gangs, notamment dans les communautés afro-américaines et latinos, font alors des ravages. Et pour inciter les jeunes à se dépenser dans un cadre artistique plutôt que violent, le hip-hop, dont le breakdance est l’un des volets, apparaît alors comme une activité idéale.

Lors des prochains JO de Paris, sous l’égide d’un DJ et d’un MC, les danseurs et danseuses enchaîneront les « powermoves », les coupoles, les « six-step » ou encore les « freezes » en s’adaptant et en improvisant sur le son. Le breakdance fait partie des quatre sports additionnels au programme de la manifestation, avec le surf, le skateboard et l’escalade, qui figuraient déjà au menu des derniers Jeux de Tokyo.

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Air, le duo emblématique de la French Touch, a lancé une série de concerts durant lesquels il joue dans l’ordre son premier album « Moon Safari », porté par le tube « Sexy Boy », qui a fêté ses 25 ans en 2023.

« Décider cette tournée, ça a déclenché en moi énormément de stress. Si j’avais su que ça se passerait si bien, j’aurais moins somatisé avant », confie Nicolas Godin, rencontré aux côtés de Jean-Benoît Dunckel par l’AFP à Paris. La paire de quinquagénaires du groupe Air a donné récemment à Rouen le premier concert d’une tournée mondiale, avec de nouvelles dates greffées sans cesse.

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Air, formé à Versailles, n’est pas forcément prophète en son pays, mais couvé du regard par la sphère musicale anglo-saxonne. NME, publication britannique de référence, a mis en avant ce premier concert sur son site internet. « Il y a cette reconnaissance en Angleterre. On a été biberonnés aux disques produits là-bas et Moon Safari est dans la culture générale des Anglais, beaucoup plus qu’en France », dissèque Nicolas Godin. Qui rappelle aussi que le premier concert de Air eut lieu aux États-Unis, à Seattle.

UNE TOURNÉE PARSEMÉE DE STRESS ET DE RÉUSSITE

Nicolas Godin se confie sur les tensions qu’il a ressenties avant de décider de partir en tournée avec Jean-Benoît Dunckel, son acolyte du groupe Air. À présent, ils se réjouissent du succès de cette première étape à Rouen, qui marque le début d’une série de concerts à travers le monde.

Air, originaire de Versailles, jouit d’une renommée internationale plus élevée que dans leur propre pays, la France. La presse britannique, notamment le NME, a vanté le premier concert de leur tournée mondiale. Nicolas Godin souligne l’importance accordée à Air en Angleterre, où leur album « Moon Safari » est devenu un élément incontournable de la culture musicale.

RETOUR SUR LES TOURNÉES PASSÉES ET ANECDOTES CROUSTILLANTES

Les deux artistes se remémorent diverses anecdotes de leurs tournées précédentes, comme un festival en Géorgie où l’électricité provenait d’un groupe électrogène. Malgré les circonstances rocambolesques, ils ont su garder leur professionnalisme et offrir un concert mémorable, sans caprices de diva.

De retour sur scène, Jean-Benoît Dunckel savoure les retrouvailles avec le public et les différentes réactions des fans, des inconditionnels en transe aux spectateurs plus discrets qui se révèlent enthousiastes une fois le concert terminé.

UN CONCERT HORS DU COMMUN

Au cœur de la performance, le duo Air se lance le défi de jouer l’intégralité de l’album « Moon Safari » dans l’ordre, une première pour eux. Ce changement de format a apporté une dimension nouvelle à leur spectacle, tout en préservant la magie des premiers titres, y compris le tube « Sexy Boy ».

Pour accompagner cette prestation, le duo revisite d’autres morceaux de leur répertoire, dont « Highschool Lover » tiré de la bande originale du film « Virgin Suicides » de Sofia Coppola. La scénographie, évoquant un écran de cinéma, crée une atmosphère à la fois intimiste et grandiose, renforçant l’impact visuel du concert.

UN ALBUM CULTE ET INIMITABLE

Le caractère unique de « Moon Safari » fait l’objet de nombreuses réflexions, tant sur le plan musical que visuel. Le dispositif lumineux rappelle l’esthétique de « 2001 l’Odyssée de l’espace » de Stanley Kubrick, tandis que les tenues blanches font écho aux voyous d’ »Orange Mécanique », un autre classique du réalisateur.

L’alchimie entre Air et leur public semble indissociable de l’aura particulière qui entoure « Moon Safari ». Cet album, qualifié de doux, enfantin, profond et psychédélique, reste une référence intemporelle pour le duo, qui souligne la difficulté de recréer une telle atmosphère sans tomber dans le kitsch.

Face à la question d’un éventuel nouvel album, les membres d’Air préfèrent rester concentrés sur leur tournée actuelle, laissant planer le mystère quant à d’éventuels projets futurs. Une chose est sûre : pour l’instant, c’est l’émotion et l’énergie du moment présent qui priment.

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Le chanteur, rappeur, pianiste franco-camerounais Yamê est un des nouveaux espoirs de la scène francophone. En résidence aux récentes Trans Musicales de Rennes (F) où il a fait salle comble, l’artiste à la croisée des genres séduit aussi sur les réseaux sociaux grâce à son titre « Bécane ».

Yamê était l’une des voix attendues du réputé festival des Trans Musicales qui s’est tenu du 6 au 10 décembre à Rennes, en France. Après la révélation Zaho de Sagazan l’an dernier, c’était son tour d’y élire résidence pour cinq représentations et de triompher à guichets fermés grâce à une création originale à la croisée des genres.

Le Franco-Camerounais de 30 ans cartonne aussi sur les réseaux sociaux avec notamment son titre « Bécane », qui est très tendance sur TikTok.

>> A voir: Yamê interprète « Bécane »

Adoubé par Timbaland et Stromae

Yamê possède une voix particulière, haut perchée et très mélodique, qui lui donne un supplément d’âme. Il pratique un rap hybride, aux influences autant africaines, jazz, gospel, soul et trap que françaises. Il cite ainsi à la fois Papa Wemba, Brassens, France Gall, Ben Decca et le rap. Mais le rappeur, chanteur et pianiste a surtout été influencé par les musiques camerounaises qui ont bercé son enfance dont celles de son père, M’Backé Ngoup’Emanty, célèbre musicien qui expérimentait déjà les fusions de sonorités africaines.

Après avoir appris le piano en autodidacte, côtoyé assidûment les jam sessions parisiennes, Yamê publie en 2021 un premier EP axé sur le rap avant d’explorer plutôt la chanson et la mélodie sur les neuf titres de « Elowi » (signifiant « ce qui n’est pas visible » en mbo’, la langue parlée dans plusieurs régions du Cameroun) paru en octobre 2023.

Yamê a bénéficié de l’attention du célèbre producteur américain Timbaland, à qui l’on doit des tubes de Jay-Z, Justin Timberlake, Nelly Furtado, Pharrell Williams, Rihanna, Beyoncé ou Drake. En mars dernier, Timbaland partage sur son compte Instagram une vidéo d’un titre a capella de Yamê en y ajoutant sa touche rythmique personnelle. Les compteurs du chanteur français s’affolent et le buzz se propage.

>> A voir: le récent clip « Bahwai » de Yamê

Un autre de ses titres, « Call of Valhalla », se voit quant à lui soutenu par Stromae à qui on le compare pour son physique et sa voix atypiques. En termes de singularité, les textes de Yamê ne sont pas non plus en reste. Son écriture métaphorique s’inspire souvent des jeux vidéo dans lesquels il s’est réfugié dès l’âge de dix ans, suite au décès de sa mère.

Avec un répertoire évoquant la liberté, le devoir, l’absence ou encore le business tout puissant, qui se nourrit aussi bien de l’argot camerounais que parisien, voilà un artiste inclassable à suivre de près.

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A l’affiche du festival Les Créatives qui se déroule jusqu’au 26 novembre à Genève, Badiâa Bouhrizi est une pionnière de la musique électronique en Tunisie. Militante des droits humains, ses chansons contestataires sont devenues des hymnes de la révolution tunisienne.

Avec un paysage sonore entre musique traditionnelle africaine et arabe et une voix portant des poèmes en faveur de la justice sociale, de la pluralité et de la démocratie, la chanteuse tunisienne Badiâa Bouhrizi, aussi connue sous le nom de scène Neysatu, est une artiste militante. Ses paroles engagées en faveur de la résistance politique au régime lui ont valu plusieurs interdictions de se produire dans son pays.

Née en Tunisie en 1980, la jeune femme a débuté la musique comme soliste dans des chorales locales avant de découvrir, à l’adolescence, de nouveaux univers musicaux. Badiâa Bouhrizi se met à chanter dans plusieurs groupes de rock, apprend la guitare et la composition, puis s’initie à la musique électronique dont elle deviendra l’une des pionnières en Tunisie. Mais poursuivre sa carrière dans son pays devient trop compliqué et elle décide donc de s’installer à Paris.

En 2011, elle gagne le prix de la meilleure chanson alternative arabe avec « Ila Salma », dédiée à la poétesse palestinienne Salma Khadra Jayyusi. Sa carrière solo est lancée.

>> A écouter « Ila Salma » de Badiâa Bouhrizi

Rétrospective musicale

Son album « KahruMusiqa », sorti en 2023 et qu’elle défendra le 26 novembre à Genève dans le cadre du festival Les Créatives, rassemble plus de dix ans de musique produite à Londres, Tunis et Paris. « Ce projet est presque comme une transe (…). C’est un univers intime où être femme se sent et s’entend, sans pour autant s’aventurer dans des discours féministes », précise la chanteuse queer sur le site Espace Magh.

On y trouve ses premières chansons enregistrées chez elle avec des micros bon marché, ainsi que des chansons emblématiques comme « Ila Salma » ou « Labess ». Douze titres chantés en arabe qui fusionnent différents styles musicaux qui vont du jazz au reggae en passant par le funk et l’électronique.

World Opinions – RTS Culture

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Acteur, chanteur, et auteur de l’un des plus beaux albums de cette rentrée : ainsi peut-on présenter Aliocha Schneider, qui vient de sortir son troisième album, écrit alors qu’il tournait à Athènes la série de Cédric Klapisch, « Salade Grecque », et sur lequel il s’essaie aux paroles en français. Avec une réussite totale.

Aliocha Schneider vient tout juste d’avoir 30 ans, et l’impression qu’il a déjà fait beaucoup. Acteur, accessoirement petit frère de Niels Schneider, premier rôle dans la série Salade Grecque de Cédric Klapisch, gueule reconnaissable issu d’une famille d’artistes ayant grandi au Québec… Au milieu de tout ça, une passion, la musique.

Ce troisième album, Aliocha l’a en grande partie écrit et composé en Grèce, où pendant plus de six mois il a tourné cette fameuse série, loin de ses proches, de sa petite amie Charlotte Cardin notamment, autre voix forte de la musique à Montréal, et autrice d’un autre album remarquable en cette rentrée.

Le manque a suscité l’inspiration, et donné le ton d’un album profondément romantique, nappé d’un irrépressible sentiment d’amour lointain. « J’aime bien Barbara, qui dit qu’elle ne sait pas inventer, qu’il y a aucune imagination, explique-t-il. Je voulais qu’on sente la chaleur de la Méditerranée et qu’on sente la mer, qu’on entende même les gens qui m’entourent, j’ai fait chanter mes amis acteurs. J’étais loin des gens que j’aime, de ma copine, donc forcément, ce sont des choses qui m’ont inspiré à ce moment-là.« 

« J’aime bien cette façon de voir les choses, de ne rien imaginer, de parler des sentiments qu’on connaît. »Aliocha Schneider

à franceinfo

Pour la première fois, le jeune homme a choisi le français pour s’exprimer ; un côté plus frontal certainement, une envie de se livrer davantage : « C’est vrai que j’ai toujours fait de la folk, que j’ai été influencé par cette folk américaine des années 60, notamment Dylan ou Simon & Garfunkel. Et oui, en français, c’est beaucoup plus compliqué, c’est pour ça que j’ai mis du temps à le faire.« 

Et dans cette optique, son producteur Marc-André Gilbert l’a beaucoup aidé, aussi : « Souvent, les choses intimes paraissent trop simples, trop évidentes. Comme sur le titre Ensemble, quand je chante ‘tu me manques tellement’ ; ce n’est pas bien écrit, c’est ce que j’écris en texto à ma copine mais c’est lui qui me pousse à l’assumer.« 

Et grand bien lui en a pris, de ne pas brider son côté intime, tant cet album, en français, figure comme l’un des plus beaux et sincères entendus cette année.

World Opinions + France Culture

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