“Digger”, réalisé par Alejandro González Iñárritu, avec Tom Cruise en tête d’affiche, était très attendu. Sorti ce 30 septembre en France, le film en forme de farce sur la crise écologique a beaucoup déplu à la presse américaine. Et les journalistes ne se sont pas gênés pour écrire des critiques aussi colorées que le film.

Dans Digger, du cinéaste mexicain Alejandro González Iñárritu, Tom Cruise joue un magnat du pétrole, le bien surnommé Digger (littéralement “celui qui creuse”). Par sa faute – une de ses plateformes pétrolières a créé un gigantesque iceberg dérivant vers des contrées habitées – la crise climatique atteint des niveaux jamais vus auparavant, et une grande partie de l’humanité est menacée.

En salles en France depuis le 30 septembre, le long-métrage du réalisateur de Birdman et The Revenant éclabousse : ça crie, ça postillonne, et la critique américaine qui l’a vu en avant-première a en grande majorité détesté la douche salivaire proposée. De l’autre côté de l’Atlantique, le film sortira le 2 octobre.

Tom creuse et Iñárittu galère

S’il y a bien un point sur lequel toute la presse américaine s’est mise d’accord, c’est la taille de l’ego de Tom Cruise et de celui de son réalisateur. “Digger, c’est ce qu’on obtient quand on met ensemble deux orgueils démesurés sans personne pour freiner leurs instincts les plus complaisants”, écrit David Rooney, chef du service critique de The Hollywood Reporter (THR), un média spécialiste de l’audiovisuel américain. Johnny Oleksinski, critique au quotidien populiste New York Post – qui a attribué la note de… 0 étoile au film – relève “une paire de gigantesques mégalomanes aveugles à la profonde médiocrité de leur bébé”, tandis que David Ehrlich, chef de la critique ciné pour le site spécialisé en cinéma indépendant IndieWire acquiesce, arguant qu’“Alejandro González Iñárritu et Tom Cruise étaient faits l’un pour l’autre”.

Voilà qui est dit. En effet, le film montre Tom Cruise sous toutes ses coutures – fausses, pour la plupart, puisque l’acteur revêt une prothèse en latex de vieux texan croulant – et laisse de la place à son jeu, pas forcément pour le meilleur, note THR, qui critique ses excès :

“Sur une intensité de 1 à 10, Tom Cruise démarre à 11 – si bien qu’il n’a plus nulle part où aller.”

Le New York Post n’est pas plus tendre, et voit dans le personnage de Cruise “un second couteau aussi abruti qu’ennuyeux à qui on a donné beaucoup trop de place à l’écran”. Mais avec 2 h 09 de temps d’écran, forcément, l’acteur a su convaincre certains autres critiques.

C’est le cas d’Owen Gleiberman du magazine culturel Variety, qui abdique, un peu à contrecœur : “C’est un genre en soi, mais le jeu de Tom Cruise dans Digger est soigné, le portrait qu’il campe bien croqué.” De leurs côtés, Amy Nicholson du quotidien Los Angeles Times et David Ehrlich d’IndieWire applaudissent un rôle à contre-emploi. La journaliste de la côte ouest l’admet, “quel régal de le voir dans le rôle du saboteur”, et celui du site spécialisé abonde, car “nul ne peut nier le plaisir qu’il y a à le voir mettre l’intensité qui est sa marque au service d’un rôle aussi étrange que celui-ci”.

“Le vrai problème” : l’absence d’humour

La seule chose que l’on peut dire sur le film sans divulgâcher, c’est que l’on assiste à la création d’une histoire enchâssée dans une autre, qui donne bien plus de profondeur au récit de Digger. Sauf que, justement, cet enchâssement ne convainc pas vraiment. Comme l’explique IndieWire :

“Digger n’en fait pas des caisses, il en fait des kilos, des tonnes mêmes – et Iñárritu en rajoute sans cesse en espérant que tout ça tienne debout.”

Un espoir que THR balaie d’un revers de plume. Le magazine y déplore “un récit qui s’embrouille à force de vouloir jouer au malin”, tandis qu’IndieWire note l’absence d’humour dans un film qui se définit comme une comédie : “On devrait s’amuser comme des petits fous devant Digger, mais le film n’est même pas drôle.” Variety décrète même que c’est “le vrai problème”, quand THR, catégorique, rappelle que “la comédie n’a jamais été le fort de ce réalisateur grandiloquent”.

Y a-t-il un seul moment admirable dans ce film, alors ? Oui, un, répondent les critiques, décidément à l’unisson : le monologue de dix minutes de Tom Cruise/Digger face à une parodie d’assemblée de l’Union européenne. IndieWire est dithyrambique : “Digger atteint son point culminant dans cette scène-purgatoire où Tom Cruise se pavane dans un monologue devant un hémicycle bondé d’âmes damnées.”

Même son de cloche pour THR, qui y voit “la meilleure scène du film”, qui donne à “Cruise une occasion de faire montre de ses talents d’acteur, en mêlant séduction et pugnacité”. Variety évoque “LA séquence qui vous met la chair de poule”. Le Los Angeles Times ne dit pas mieux : “Cruise y met toute la puissance de son charisme et toute la force de sa malice.”

Un film hautement déprimant

Presque tous les critiques sont donc d’accord sur cette scène, sauf un, qui n’est pas spécialiste de cinéma, mais dont le point de vue intéresse justement pour ça. Il s’agit d’un média américain indépendant consacré aux questions environnementales, Grist. Dire que Jake Bittle, un de ses journalistes spécialisés, n’a pas aimé le film serait un euphémisme. Il qualifie le monologue adoré par ses confrères de “scène insupportable”.

Surtout, il a détesté le côté “moche, bruyant, désagréable” du long-métrage et en critique les limites : “En se lançant dans une fable sur l’arrogance et la démesure des titans du pétrole, Iñárritu fait un film qui ne dit rien que le spectateur ne sache déjà. […] Il le sait bien : les paraboles politiques contre la cupidité des entreprises n’ont qu’une envergure artistique limitée – et pourtant, il ne parvient pas à repousser les limites de la parabole.”

Bien qu’ils ne soient pas spécialistes de la question environnementale, les autres critiques se sont malgré tout aussi emparés du sujet et sont tous d’accord : sur ce point, Digger est déprimant. “Le film vient enfoncer le clou : nous ne résoudrons pas la crise climatique tant qu’on ne l’aura pas dissociée du baratin que certains nous dispensent pour s’autocélébrer”, souligne Variety.

Le Los Angeles Times de conclure, pas plus rassuré : “Les horreurs dont on rit à gorge déployée dans Digger sont si proches de la réalité qu’en sortant de la salle, je n’étais pas sûre que l’humanité vive assez longtemps [pour digérer le film et finir par l’apprécier]. Aussi loin que creuse Digger, il n’y a pas d’espoir.”

World Opinion + Courrier International

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La réalisatrice de « Je verrai toujours vos visages » aborde de nombreux thèmes dans ce film à tiroirs, en salles le 23 septembre. De rage et d’amour.

Garance, interprétée par Adèle Exarchopoulos, croit avoir l’alcool festif. En attendant de vivre de son métier de comédienne, elle multiplie les petits boulots. Sa vie amoureuse est chaotique. Alors elle court dans tous les sens, à la recherche d’un bonheur fuyant et d’une stabilité inespérée. Garance n’a plus le temps de rêver. Alors, elle boit. Du vin blanc. Beaucoup, jusqu’à dix-neuf verres par jour. Forcément, cela finit par se voir. Et par impacter sa vie professionnelle.

D’abord dans le déni, la jeune Parisienne désargentée finit par reconnaître qu’elle est alcoolique mais ne juge pas important d’arrêter malgré les maux de crâne, les trous de mémoire et tous les désagréments. « C’est comme les courbatures après le sport, on ne va pas arrêter le sport pour ça. »

Le personnage, en pleine confusion, s’autodétruit consciencieusement et enchaîne soirées arrosées et rencontres éphémères. Jusqu’à sa rencontre avec Pauline, incarnée avec beaucoup de fragilité et de finesse par Sara Giraudeau.

Vivre tue

Jeanne Herry aborde de nombreux thèmes dans ce film à tiroirs : l’alcoolisme, la situation des intermittents du spectacle, l’éclosion à une autre sexualité, l’accompagnement d’une personne atteinte d’une maladie incurable… Est-ce trop pour une personne essayant de se construire ? Parce que Garance est comme ce boxeur groggy mais encore debout qui continue d’être travaillé au corps par de nombreux coups. Elle se débat maladroitement dans un monde qui n’est pas fait pour elle.

La réalisatrice de Je verrai toujours vos visages prend le risque de surcharger son propos. Il y a plusieurs films dans cette œuvre. La vie de Garance est rythmée par des tsunamis successifs. Comment trouver des raisons de vivre quand le suicide lent est plus confortable ? Pourquoi se battre quand l’apathie ou la passivité anesthésie la douleur ? Le titre en anglais, Another Day (un autre jour), est peut-être plus pertinent. Garance, une œuvre sombre, traversée par des moments magiques.

La fiche

Titre : Garance
Genre : drame
Durée : 1h45
Scénario et réalisation : Jeanne Herry
Avec : Adèle Exarchopoulos, Sara Giraudeau, Sarajeanne Drillaud
Sortie en salles : 23 septembre 2026
Synopsis : Garance est une jeune actrice alcoolique. Huit ans d’un parcours fait de déménagements, de travail, de rencontres, de fêtes et d’angoisses, de joies et de coups durs… Mais aussi une révolution intime, amicale et sexuelle, un chaos aux allures de « grande récré » où se mêlent autant d’amour que de destruction.

World Opinion + Agences

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La nouvelle série de Ryan Murphy, sur Disney+, nous plonge dans le Los Angeles des années 1980. Avec un casting de stars, “The Shards” met en scène un groupe de lycéens fortunés qui va voir son monde bouleversé par une série de meurtres dans la région. La presse américaine est divisée sur cette adaptation de Bret Easton Ellis.

Ryan Murphy ne chôme pas. Après avoir mis en scène le monde de la mode et ses dérives dans The Beauty, mise en ligne en janvier, et coproduit en mars Love Story, sur le mariage de John F. Kennedy Jr. et Carolyn Bessette, il est de retour avec The Shards, série cocréée avec le romancier Bret Easton Ellis. De nouveau, l’univers est très glamour, avec pour décor le Los Angeles du début des années 1980. Et, là aussi, les tragédies vont très vite bousculer le monde très privilégié d’Ellis et de ses camarades.

“C’est souvent absurde et toujours mélodramatique – ce qui n’est pas forcément un reproche –, mais si vous cherchez une minisérie soignée sur des enfants (et des adultes) qui sniffent de la cocaïne, sur des meurtres, des mutilations d’animaux, du sexe et des voitures de sport dans le Los Angeles de la Nouvelle Vague, avec des évocations de Hamburger Hamlet et d’Orange Julius [respectivement une chaîne de restaurants et une boisson emblématiques de la ville à cette époque] et une excellente sélection de chansons d’époque sur la bande originale, vous ne trouverez pas mieux”, assure le Los Angeles Times.

Un mystérieux serial killer

Sexe, drogues, meurtres. Le cocktail inspire nombre de séries portant sur cette période si fascinante qu’est la fin du lycée, davantage encore lorsque cela se déroule chez les plus privilégiés, et The Shards, disponible sur Disney+ depuis le 5 août, devrait plaire aux fans d’Élite ou d’Euphoria.

nspiré du roman autobiographique de Bret Easton Ellis, l’auteur d’American Psycho (Les Éclats, sorti en 2023, et traduit chez 10/18), la série suit Ellis (incarné par Igby Rigney), un aspirant écrivain qui raconte en voix off cette année très étrange que fut 1981 pour son lycée très élitiste, Buckley School, alors que des disparitions de jeunes femmes puis d’hommes suscitent l’inquiétude. La série ravive ainsi le souvenir d’une décennie durant laquelle la ville californienne a été le terrain de nombre de tueurs en série.

Et le casting compte deux noms issus d’un monde tout aussi hollywoodien que le fictionnel, qui vient renforcer l’aspect méta de cette autofiction : Kaia Gerber et Homer Gere, la première étant la fille du top-modèle Cindy Crawford, le second le fils de Richard Gere.

Ils incarnent respectivement Susan Reynolds, meilleure amie d’Ellis, qui incarne la perfection, très belle et très brillante à l’école, et Robert Mallory, un mystérieux et beau nouveau venu, qui inspire autant d’attraction que de méfiance de la part d’Ellis.

Un univers d’artifices

Tout paraît artificiel dans cet univers de maisons luxueuses, où les adultes semblent tous absents. Et ce pour le meilleur comme le pire, avertit The Hollywood Reporter.

Alors que rôde un tueur en série, “l’atmosphère est étrange, mais jamais vraiment effrayante ; c’est une série sans effusion de sang malgré les victimes mutilées du chalutier. Vous n’apprécierez aucun personnage”, estime le magazine. Peu convaincu, il estime que l’empathie pour les personnages est totalement désamorcée dans cette adaptation qui foisonne d’idées mais manque de cohérence.

Si The Shards ne convainc pas la majorité des critiques américains, The Spectator, de l’autre côté de l’Atlantique, est particulièrement enthousiaste. Jugeant l’ensemble “à la fois réel et irréel”, l’hebdomadaire britannique recommande vivement la série, car elle dépeint “enfin les années 1980 telles que vous auriez presque aimé les vivre : du sexe à n’en plus finir avec des personnes magnifiques, des jacuzzis, des voitures de sport, des cocktails, des costumes impeccables, des répliques cinglantes débitées avec nonchalance, du tennis, des chevaux…”.

World Opinion + Courrier International

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Juste avant les Oscars, les Razzie Awards, créés en 1981, ont fait leur choix parmi les navets de la saison. Le chanteur Ice Cube reçoit le prix du pire acteur.

Les remakes ratés de Blanche-Neige et La Guerre des Mondes ont dominé samedi 14 mars le palmarès des Razzie Awards, les anti-Oscars couronnant chaque année les pires navets du cinéma. Le recyclage par Disney de Blanche-Neige en prise de vues réelles avait fait l’objet de nombreuses controverses dès son annonce il y a plusieurs années. Sa sortie au printemps dernier s’est révélée décevante.

Sa vedette, Rachel Zegler(Nouvelle fenêtre), a provoqué la colère des fans de Disney en dénigrant l’original de 1937. Elle a aussi qualifié le prince de harceleur. Le choix de cette actrice latino-américaine pour le rôle principal a été critiqué sur les réseaux sociaux comme une nouvelle preuve que Disney serait « woke », l’adjectif fourre-tout que Donald Trump utilise pour remettre en cause la diversité de la société américaine.

Sept nains effrayants

Mais au final, ce sont les nains générés par ordinateur qui ont suscité le plus de critiques et ont valu au film deux Razzies. « Effrayants, voire terrifiants et d’un faux-semblant criard, le prix du pire second rôle masculin revient aux sept nains artificiels« , ont expliqué les organisateurs de la cérémonie. « L’IA ne doit pas nécessairement coûter plus de 250 millions de dollars, peut-être 20,50 dollars, ou une période d’essai gratuite de sept jours« , ont-ils ajouté, en raillant le budget énorme du film de Disney.

Les sept créatures magiques caricaturales ressemblant à des gnomes ont également été nommées « pire duo à l’écran« . Disney a toutefois échappé au titre de pire film de l’année, remporté par un autre géant, Amazon, avec son remake de La Guerre des mondes.

Le roman du britannique Herbert George Wells avait déjà été adapté au cinéma, notamment par Steven Spielberg. Mais cette fois Amazon a décidé de raconter l’intrigue à travers des appels Zoom : le résultat a été raillé comme « une comédie involontaire » par les Razzies.

Le chanteur américain Ice Cube, à l’affiche du film, a reçu le prix du pire acteur. Le film d’Amazon a été critiqué pour son placement de produit maladroit, notamment dans la scène de fin où un drone Prime Air sauve l’humanité d’une invasion extraterrestre. Il s’est néanmoins imposé comme un succès inattendu sur la plateforme de streaming, à cause d’un buzz autour de sa nullité alimenté selon la critique par des « masochistes qui s’ennuient« .

Prix parodiques, les Razzies ont été créés en 1981 pour se moquer de la culture de l’autosatisfaction d’Hollywood. Ils sont chaque année décernés peu avant les Oscars.

World Opinion + Agences

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Avec « Promis le ciel » sorti le 28 janvier, la réalisatrice franco-tunisienne Erige Sehiri signe un deuxième long métrage qui aborde avec sensibilité et nuance les thèmes de la migration, du racisme et de la sororité en Afrique du Nord.

Présenté dans la section « Un certain regard » au dernier Festival de Cannes, « Promis le ciel » suit le parcours de trois femmes ivoiriennes et d’une petite fille orpheline confrontées au racisme en Tunisie. Marie, pasteure ivoirienne et ancienne journaliste, vit à Tunis. Elle héberge Naney, une jeune mère en quête d’un avenir meilleur, et Jolie, une étudiante déterminée qui porte les espoirs de sa famille restée au pays.

Quand les trois femmes recueillent Kenza, 4 ans, rescapée d’un naufrage, leur refuge se transforme en famille recomposée tendre, mais intranquille dans un climat social de plus en plus préoccupant.

A voir, la bande-annonce du film « Promis le ciel » de Erige Sehiri:

Une autre perspective sur la migration

Dans le 12h45 du 30 septembre dernier à l’occasion d’une avant-première genevoise, la réalisatrice Erige Sehiri expliquait son choix de traiter ce sujet: « On parle déjà très très peu de la migration en terre africaine, alors qu’en réalité elle est majoritaire. On parle beaucoup des migrants qui vont vers l’Europe, alors que 80% de la migration se fait à l’intérieur de l’Afrique ». Avec « Promis le ciel », la cinéaste franco-tunisienne souhaite offrir une perspective différente sur la question migratoire, en se concentrant sur les déplacements intra-africains et en mettant en lumière les parcours féminins, souvent négligés dans les récits sur la migration.

Le film s’attache à présenter des personnages complexes et nuancés, loin des stéréotypes habituels sur les migrants. Une approche qui permet de mettre en avant la diversité des parcours migratoires et la singularité de chaque histoire individuelle.

Pour incarner ces personnages, Erige Sehiri a fait appel à des actrices engagées, notamment Aïssa Maïga, connue en France pour ses positions contre le racisme.

Un contexte politique tendu

Le film s’inscrit dans un contexte politique complexe en Tunisie. En 2023, le président tunisien a accusé la population subsaharienne de menacer l’identité arabo-musulmane du pays, provoquant une vague de racisme anti-noir. « Ces questions ne sont pas réglées, c’est encore sensible, difficile pour la population migrante qui essaye de trouver sa place », commentait Erige Sehiri. Elle soulignait également l’influence des pressions européennes sur la politique migratoire tunisienne.

Malgré la sensibilité du sujet, « Promis le ciel » adopte une approche bienveillante et nuancée. Le film ne se contente pas de dépeindre les difficultés, mais montre aussi des moments de joie et d’espoir dans la vie des personnages.

Un appel au dialogue

Après son premier long métrage « Sous les figues » (2002), une immersion dans un verger au plus près de jeunes cueilleuses de figues, Erige Sehiri a poursuivi ici son exploration sensible de la réalité à travers la fiction.

La réalisatrice espère que son film, à la fois politique et poétique, pourra contribuer à ouvrir un dialogue sur les questions de racisme et de migration en Tunisie et ailleurs. Pour Erige Sehiri, il est important de pouvoir critiquer et questionner son pays tout en l’aimant, afin de faire face aux défis sociaux actuels.

Propos recueillis par Julie Evard – RTS Culture +World Opinion

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Fiction autour d’une amitié entre un enfant et un panda, le dernier film de Gilles de Maistre sorti le 9 avril a été tourné dans une réserve chinoise avec de vrais animaux et sans effets spéciaux. La réalisation de « Moon le panda » a constitué un gros défi pour le cinéaste français.

« Le pari exceptionnel de ce film était de mettre en présence un vrai panda et un vrai enfant, de montrer à quel point on peut nouer des relations et à quel point c’est magique et beau », résume avec enthousiasme Gilles de Maistre dans l’émission Vertigo du 9 avril.

Journaliste et réalisateur, le Français a d’abord tourné des documentaires avant de réaliser plusieurs films autour de la relation entre un animal et un enfant (« Mia et le lion blanc », Le loup et le lion », « Le dernier jaguar »). Des fictions tournées uniquement avec de véritables animaux, sans trucages ni images de synthèse, afin de ne pas tomber dans l’anthropomorphisme.

Sa dernière fiction, « Moon le panda », continue sur cette lancée. Elle raconte l’amitié qui se noue entre un panda et un jeune garçon, permettant à ce dernier de retrouver le goût à la vie grâce à cette rencontre.

A voir, la bande-annonce du film » Moon le panda »:

Autorisations chinoises pour filmer

Tourné dans un centre de recherche et de reproduction dédié aux pandas géants dans une réserve du Sichuan, ce film n’a été possible qu’avec l’accord des autorités chinoises. Ce qui n’était pas gagné d’avance, sachant qu’aucune autorisation de filmer avec cet animal n’avait, semble-t-il, plus été donnée depuis vingt-cinq ans.

Pour Gilles de Maistre, ce qui a fait pencher la balance est sans doute tout d’abord le fait que ce film est une « déclaration d’amour à la nature » et qu’il montre en toile de fond les difficultés et le travail effectué pour protéger cet animal en voie de disparition. Puis de poursuivre: « J’imagine aussi que mon parcours et ma façon de travailler avec les animaux avec beaucoup de respect les a touchés. »

Nous, on ne dresse pas les animaux. On collabore avec eux, on entre dans leur monde pour faire nos films

Gilles de Maistre, réalisateur de « Moon le panda »

Un mois de tournage en forme de défi

Une fois sur place, le tournage a aussi été un défi. Très encadrée par les responsables de la réserve, l’équipe du film a dû s’adapter aux comportements et aux caractères des animaux. De plus, les moments de tournage étaient très courts, les pandas passant beaucoup de temps à manger du bambou et à dormir.

« On savait qu’on aurait peu de temps avec le panda, que c’était exceptionnel et qu’il fallait profiter de chaque seconde. C’était un challenge et c’était compliqué, mais on a utilisé au mieux ce mois de tournage qui s’est très bien passé, parce qu’on était très calme. Et à chaque fois qu’on avait envie de tourner et que le panda était là, il y a eu des moments incroyables. »

Un vrai coup de foudre entre les pandas et l’acteur

Lors du tournage, le scénario a aussi dû être adapté à la réalité du terrain et des interactions possibles entre le panda et le jeune acteur. « C’est le deuxième miracle du film [après les autorisations de tournage] », confie le réalisateur. Il y a eu un coup de foudre amical entre ces trois êtres: le bébé panda pour le début du film, un adulte pour la deuxième partie et l’acteur ». Jeune comédien franco-chinois, Noé Liu Martane a su créer cette relation. « C’est ce qui rend les images absolument incroyables », estime Gilles de Maistre.

Une fiction qui a aussi un goût d’authenticité puisque le père et la soeur de Noé Liu Martane jouent à ses côtés. Et le réalisateur de préciser que les tensions entre le père et fils dans le film reflètent bien celles vécues dans la réalité au sein de cette famille connue en Chine.

World Opinions – RTS Culture

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Plus de 55’000 personnes ont célébré le cinéma fantastique lors de la 23e édition du Neuchâtel international fantastic film festival (NIFFF). Le jury international a décerné le prix H.R. Giger « Narcisse » de 10’000 francs au film scandinave « Handling the undead ».

Avec ce film, la réalisatrice Thea Hvistendahl a livré un premier long-métrage de fiction « au sein d’un palmarès de films engagés », a indiqué samedi le NIFFF, lors de la clôture du festival. Cette oeuvre raconte les retrouvailles avec des proches récemment décédés et la difficulté de faire son deuil.

Voir la bande-annonce de « Handling the undead »

Un 2e long métrage réalisé par une femme, soit « Ennennum » de Shalini Ushadevi, a aussi été récompensé. « Ces deux œuvres proposent des visions singulières du cinéma de genre et font écho à la diversité artistique, thématique et géographique de la sélection », a précisé le festival.

Une mention spéciale a été remise à « Cuckoo » de Tilman Singer, tandis que le prix Imaging The Future Award de 3000 francs est revenu à « I saw the tv glow » de Jane Schoenbrun. Le jury de la compétition internationale était composé de Saul Pandelakis (France), Ishan Shukla (Inde), Annick Mahnert (Suisse), João Pedro Rodrigues (Portugal) et Kourtney Roy (Canada).

Entrées cinéma en légère hausse

Les 124 projections du NIFFF, en provenance de cinq continents, ont fait près de 35’000 entrées cinéma, un chiffre en légère hausse depuis l’an dernier. Au total, plus de 55’000 festivaliers ont été dénombrés, contre 63’000 l’an dernier. Les conférences « ont eu un franc succès auprès d’un public toujours plus nombreux, et la Villa a donné une place de choix aux installations immersives et aux jeux vidéo », ont expliqué les organisateurs.

Plus de 120 invités avaient fait le déplacement à Neuchâtel durant les dix jours du festival. L’actrice, réalisatrice, scénariste, productrice, chanteuse et DJ italienne, très engagée dans le mouvement #MeToo, Asia Argento était l’invitée d’honneur. La 24e édition du NIFFF se tiendra du 4 au 12 juillet 2025.

World Opinions – RTS Culture

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“Content Warning” invite les joueurs à se glisser dans la peau d’un influenceur à la recherche de monstres pour faire du clic. Ce jeu d’horreur humoristique, publié par un studio suédois indépendant, connaît un succès inattendu.

Jusqu’où serez-vous prêt à aller pour des likes et des vues ? “La liste de ce que font les influenceurs pour attirer l’attention est terrifiante”, rappelle The New York Times, citant quelques sinistres exemples – comme le youtubeur américain Logan Paul filmant la découverte d’un cadavre dans une forêt japonaise, fin 2017. Le jeu vidéo Content Warning, sorti le 1er avril sur PC, “pousse ce côté prêt-à-tout-pour-la-célébrité à des extrêmes délirants. Chaque joueur est un créateur de contenu qui s’aventure dans des usines abandonnées et des navires fantomatiques pour filmer des monstres tueurs.” Le but du jeu ? Recueillir le plus de vues sur une plateforme fictive, SpöökTube, en réalisant la vidéo la plus effrayante possible. Et empocher les revenus publicitaires.

Une des arguments de vente de Content Warning réside dans son mode multijoueur, avec un canal de communication audio qui intègre la localisation des avatars dans l’espace, relève Kieran Press-Reynolds. Ce n’est qu’une option, mais “c’est extrêmement utile pour planifier le tournage et organiser le retour de son groupe à la surface”, souligne de son côté Ashley Bardhan. La critique d’Eurogamer, un site spécialisé britannique, se méfiait au départ – “d’après mon expérience, les salons de discussion occupés principalement par des hommes sont parfois hostiles aux femmes” –, avant de se rendre compte que le second degré du jeu pousse les utilisateurs à ne rien prendre au sérieux. Ainsi, “malgré mes réserves, c’est l’absurdité des discussions qui représente le meilleur élément de Content Warning”. Sans vraiment d’intrigue, l’intérêt du jeu repose grandement sur les interactions avec les autres explorateurs.

Succès éclair

Les studios Landfall ont publié Content Warning comme poisson d’avril. Ces développeurs suédois sont habitués des parodies, explique PC Gamer, qui relève des clins d’œil au jeu d’horreur Lethal Company. Mais le succès rencontré n’a rien d’une blague : pendant les premières vingt-quatre heures, où le titre était disponible gratuitement, il a été téléchargé 6 millions de fois. Puis plus de 1 million de copies ont été vendues dans les deux semaines qui ont suivi. “Content Warning touche particulièrement juste en cette époque où beaucoup d’enfants souhaitent devenir influenceur”, avance le New York Times.

“Il permet aux joueurs d’avoir une microdose de célébrité momentanée, avec pics de dopamine quand tout marche et horrible descente quand ils font un flop.”

La critique d’Eurogamer n’est pas convaincue que cette popularité s’inscrira dans la durée. Mais pour Elie Gould, du magazine britannique PC Gamer, Content Warning vaut le détour, ne serait-ce que pour se faire poursuivre par l’homme-escargot. “C’est terrifiant, hilarant et truffé de cryptides fascinants qu’on peut découvrir et documenter pour sa chaîne SpöökTube.”

Par Hugo Florent – courrierinternational.com

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Une cour d’appel de New York a annulé jeudi la condamnation pour viol et agressions sexuelles de l’ex-producteur star d’Hollywood Harvey Weinstein en 2020, estimant que des erreurs de procédure avaient été commises durant le procès. Le tribunal a ordonné un nouveau procès.

Durant le procès, des témoignages portant sur d’autres faits que ceux commis contre les personnes plaignantes avaient notamment été admis « de façon erronée », selon l’une des juges de la cour d’appel. Or ces témoignages avaient « dépeint une image hautement préjudiciable » d’Harvey Weinstein.

« La solution à ces erreurs choquantes est un nouveau procès », a poursuivi cette juge.

« Avec cette décision, la cour continue à contrecarrer les victoires régulières pour lesquelles les survivantes de violences sexuelles se sont battues », a pour sa part écrit une autre juge qui s’est prononcée contre la décision. « Les femmes qui portent le traumatisme de violences sexuelles et les blessures des témoignages répétés sont oubliées », a-t-elle ajouté.

Deux condamnations

Harvey Weinstein, 72 ans, avait été condamné à 23 ans de prison à New York en 2020 pour viol et agression sexuelles. Puis en 2023, l’ex-producteur a été condamné à 16 ans de prison à Los Angeles pour des faits similaires.

Le producteur déchu, qui n’a jamais reconnu publiquement autre chose que des relations consenties, est actuellement détenu dans une prison de l’Etat de New York.

Le mouvement #MeToo avait été déclenché par les révélations sur le comportement de prédateur sexuel d’Harvey Weinstein, dont l’influence sur Hollywood était par le passé immense. Ces condamnations avaient constitué d’immenses victoires pour le mouvement.

World Opinions + Agences

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Le distributeur de Swashbucker Films Sébastien Tiveyrat nous explique pourquoi il sortira le nouveau film de Roman Polanski, « The Palace », le 15 mai prochain au cinéma.

Dès le tournage, en avril 2022, de cette satire située au passage de l’an 2000 dans un palace à Gstaad, le film provoque l’ire de nombreuses personnes mécontentes que Roman Polanski puisse encore réaliser des films en toute impunité, malgré les accusations d’abus sexuel le visant.

Il l’assume sans détour : Sébastien Tiveyrat a acheté les droits de « The Palace » de Roman Polanski sans avoir vu le film. « Je le verrai le 15 mai prochain dans une salle de cinéma avec le public, à la première séance de 14 heures. Je reste avant tout un spectateur qui veut découvrir une grande œuvre sur grand écran. Je veux faire plaisir aux fans de cinéma. » Car oui, ce n’est pas par désir d’alimenter le feu de la polémique ou contre le wokisme qu’il a acquis les droits du dernier film en date de Roman Polanski, mais bien par cinéphilie. « C’est un génie de la mise en scène qui a signé de nombreux chefs-d’œuvre », explique-t-il, pour motiver son achat.

La co-production italo-franco-polono-suisse reçoit un accueil critique glacial lors de sa présentation au Festival de Venise en août dernier. Le film embarrassant sort en catimini dans les salles italiennes et allemandes, mais pas en France.

Pour la Suisse, cela s’est fait prudemment et tient du feuilleton rocambolesque, comme l’explique Jean-Pierre Grey, distributeur helvétique de « The Palace » dans l’émission Vertigo du 11 avril: « J’ai été contacté par le co-producteur suisse Jean-Louis Porchet. Il avait eu quelques difficultés à convaincre des distributeurs plus établis que moi pour promouvoir le film. J’ai accepté avec d’autant plus de plaisir que j’avais déjà distribué à l’époque un film de Roman Polanski, « Tess » (ndlr: 1979) ».

Fortes résistances autour de la personnalité de Polanski

Si Jean-Pierre Grey anticipait des réticences par rapport à la distribution de « The Palace », il ne doutait pas que cela serait à ce point-là: « Je crois que quand tout le monde s’est mis autour de la table pour produire le film, personne n’envisageait de telles résistances autour de la personnalité de Roman Polanski ».

Fin 2023, « The Palace » de Polanski sort dans un cinéma de Gstaad. Et rencontre le plus gros succès jamais enregistré dans cette salle depuis son ouverture. De bon augure pour la sortie en Suisse alémanique, début 2024? Pas vraiment. Seules une trentaine de localités ont diffusé le film, mais le public n’est pas largement au rendez-vous, indique Jean-Pierre Grey pour qui il faut remonter à une lointaine époque pour retrouver des films aussi problématiques à sortir au cinéma.

Une débandade pour le cinéaste

Après ce bide en Suisse alémanique en début d’année, il faut attendre le 10 avril pour une sortie dans les salles romandes. Une distribution assez large est intialement prévue, avant que finalement le film ne soit projeté que dans trois salles à Genève, Lausanne et Oron. Le film sortira toutefois sur la plateforme blue Cinema prochainement. Voir Polanski relégué aux plateformes constitue ainsi une vraie débandade pour le réalisateur de « Chinatown », « Rosemary’s Baby » ou « Le pianiste ».

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