Ses dessins voyagent sur tous les supports. Depuis plusieurs décennies, ils émeuvent petits et grands. Serge Bloch succède à Benoît Jacques et rejoint la constellation de la Grande Ourse.

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Serge Bloch, le créateur de SamSam – le « plus petit des grands héros » dont on suit les aventures notamment dans le magazine pour enfants Pomme d’Api (Bayard jeunesse)–, est la Grande Ourse 2026. Le prix du Salon du livre et de la presse jeunesse (SLPJ), qui s’ouvre le 25 novembre à Montreuil, distingue cette année un illustrateur qui s’adresse « aux plus jeunes sans concession ni misérabilisme ».

« La puissance de son trait reconnaissable entre tous, la fantaisie de ses compositions s’accompagnent d’un regard humaniste et tendre sur le monde et les causes qu’il défend du bout de ses crayons », a souligné jeudi 5 novembre le SLPJ dans un communiqué.

Au papa de Max et Lili (Calligram), on doit également les illustrations de Zouk la sorcière (Bayard), Enquête au collège (Gallimard), La Grande Histoire du petit trait, Moi j’attends…, qui a décroché le Prix Baobab du SLPJ en 2005, ou encore L’Ennemi.

Ses dessins sont pour Serge Bloch le moyen d’« accueillir des gens dans des émotions, que ce soit un enfant, un adulte, un visiteur ». « Je les fais pour eux, poursuit-il, je les ai en tête même quand ce sont des dessins pour des galeries, pour des expos assez libres », confiait-il en 2025 lors d’une exposition qui lui était consacrée à Nîmes.(Nouvelle fenêtre)

Un trait, une écriture et un univers

Le SLPJ salue un « artiste de la transmission, engagé en faveur des droits de l’enfant » qui a récemment publié Gaza, eux c’est nous avec Marie Desplechin (Collectif d’éditeurs jeunesse) et illustré Quand les étoiles chantaient…contes de la sagesse juive écrit par Pauline Bebe (Gallimard Jeunesse).

Serge Bloch, qui est né le 18 juin 1956 à Colmar, s’est formé à l’atelier d’illustration de Claude Lapointe à l’École supérieure des arts décoratifs de Strasbourg. L’illustrateur a fait ses premiers pas dans la littérature jeunesse et a été directeur artistique chez Bayard Jeunesse. Il est également dessinateur de presse, affichiste et scénariste. L’artiste a notamment collaboré avec le New York Times, le Boston Globe, Le Monde, Télérama, Psychologies, Le Nouvel Observateur et Libération. Il est aussi connu pour ses travaux publicitaires.

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Serge Bloch a également exposé à Paris, New York, Tokyo, Séoul et Berlin. « Je voulais montrer que le dessin était une écriture ou un univers qui pouvait traverser plein d’endroits », en somme « tout ce qui peut supporter du trait », expliquait-il encore en 2025. L’illustrateur a reçu plusieurs distinctions internationales.

L’édition 2026 du SLPJ, désormais dirigé par Nils Ahl qui a pris la suite de Sylvie Vassallo(Nouvelle fenêtre), se déroule jusqu’au 30 novembre en Seine-Saint-Denis. Serge Bloch, qui succède à l’artiste belge Benoît Jacques, recevra sa Grande Ourse le 29 novembre et sera également présent le lendemain, où ses fans pourront le rencontrer à la librairie des Pépites.

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Dans «Le Roi du Game», il est mi-elfe, mi-pas elfe, dans une équipe de joueurs pas très doués mais forts attachants, incarnées par Alexandra Lamy, Hafid Benamar et Marc Labrèche. Rencontre.

Eric Judor revient au cinéma ce mercredi 21 octobre avec une comédie déjantée où un commercial parisien se retrouve embarqué malgré lui dans un jeu de rôles grandeur nature (GN).

Est-ce que vous connaissiez le monde du GN avant ce film ?

Eric Judor: Non, pas sous cette forme-là. Mais quand j’étais lycéen, j’ai participé à des jeux de rôles avec des cartes, chez mes parents. Je me suis beaucoup amusé, mais sûrement un peu trop aux yeux du game master: je me suis fait virer, parce que j’avais tendance à en rajouter, à faire des plaisanteries et à me distancer du jeu.

Avant le tournage, vous êtes allé assister à un GN: comment ça s’est passé?

Oui, nous nous y sommes rendus avec Hafid et des membres de mon équipe. Nous avons été accompagnés par un game master et une équipe de joueurs. Comme dans le film, j’ai dû me costumer pour pouvoir y assister. Et j’ai découvert des gens très sérieux, très organisés, des passionnés qui s’étaient préparés pendant des mois: c’est très technique.

Dans le film, on rit beaucoup du décalage entre votre personnage et les participants du jeu, mais vous ne vous moquez jamais…

C’était très important pour moi de respecter ces gens qui sont, comme les Zadistes de mon précédent film «Problemos», un peu à la marge. D’ailleurs, dans les avant-premières, je demande toujours s’il y a des «GNistes» dans la salle. En général, ils sont très contents du film. Bien sûr, on prend quelques libertés, car c’est une comédie et pas un vrai GN, mais dans l’ensemble, ils s’y retrouvent.

Il y a une scène où vous combattez un dragon: ça nous a rappelé les séries japonaises des années 1980, comme «Bioman», où les héros se battaient contre des monstres en carton-pâte… c’est une référence volontaire ?

Ha ha ha, oui c’est tout à fait ça! Malgré tout, le costume est super, mais il n’est pas à l’échelle. C’est là que naît la comédie, c’est vraiment une question d’échelle. Lorsqu’on m’a envoyé le scénario, j’ai vite compris que ce sujet-là se prêtait totalement à la comédie. C’était très cinématographique.

En plus de votre perruque d’elfe, vous portez deux casquettes: acteur et réalisateur: vous êtes hyperactif ?

Non, c’est davantage une question de contrôle. D’expérience, il m’est arrivé d’écrire un scénario et le résultat ne ressemblait pas à ce que je voulais. En étant réalisateur et acteur, je peux promouvoir quelque chose qui me correspond.

Donc vous préférez conduire plutôt qu’être conduit ?

Tout dépend par qui! Par exemple, Quentin Dupieux m’a dirigé dans son prochain film, qui sortira bientôt: je lui fais une totale confiance et dans ce cas, ça me va très bien d’être conduit.

J’ai vu que pour les avant-premières, les spectateurs étaient invités à venir costumés au cinéma…

Oui, des fois ça marche et d’autre fois pas du tout. C’est un pari risqué, on n’est pas aux Etats-Unis ou en Grande-Bretagne: à Nantes ou Toulon – je ne me souviens plus- il n’y a qu’une personne qui avait joué le jeu! Et en Suisse, personne!

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Ses plus grands tubes au cordeau, une salle comble chaque soir et beaucoup d’émotion: Céline Dion clôt samedi soir le premier volet de sa série de concerts parisiens, signant un retour réussi, presque sans accroc et sous une exposition médiatique maximale.

Face à ses fans devant l’hôtel de luxe parisien où elle s’est installée avec ses fils et son caniche nain, comme devant les 35’000 spectateurs de la Plenitude Arena à l’ouest de Paris, Céline Dion a tenu le rythme de son marathon musical pendant plus d’un mois.

Rodée aux concerts sous forme de résidences à Las Vegas, Céline Dion n’a laissé place à presque aucune improvisation à Paris, modifiant peu sa setlist et ses discours.

Entourée de musiciens et d’un choeur, la star assure une performance d’environ 2h30, rythmée par une trentaine de chansons piochées dans la période Goldman des années 1990-2000 et dans son répertoire en anglais, dont « My heart will go on ».

Emotions

Entre larmes, sourire éclatant et poing levé, Céline Dion est passée par tous les états: lors de la première le 12 septembre, l’émotion la submerge dès l’entame et l’oblige à interrompre « On ne change pas ». Six années loin de la scène viennent d’être effacées par quelques notes.

Plutôt rigide au début, l’interprète de « Prière païenne » a gagné en aisance au fil des trois concerts donnés chaque semaine et pris possession de cette immense scène sombre où trône un imposant rocher rotatif. Moins immersive et spectaculaire que certains concerts actuels mêlant musique et visuel, cette scénographie a pour effet de braquer les regards sur la diva.

En tenues haute couture et coiffée d’un chignon de ballerine, Céline Dion a choisi l’élégance. Pari réussi. Un soir toutefois, elle trébuche en marchant sur le bas de son pantalon et fait une chute sans gravité, qui fait aussitôt le tour du web.

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Phénix

Les spectateurs interrogés ont confié leur émotion d’avoir revu la chanteuse francophone aux plus de 260 millions d’albums vendus, que beaucoup comparent à un phénix. « Je vais bien », leur a répété Céline Dion, deux ans après sa réapparition à la cérémonie des JO de Paris.

« J’ai appris à vivre avec cette fragilité », a expliqué la star, qui a dévoilé en 2022 être atteinte du syndrome de la personne raide, maladie neurologique rarissime causant de violentes paralysies. « Je l’ai apprivoisée et j’ai décidé d’en faire la force de vivre. »

L’autre interrogation portait sur sa voix: forcément moins virevoltante qu’à ses débuts, celle-ci a tenu, malgré quelques faussetés entendues sur certains morceaux. Mais, comme pour ses oublis dans les paroles, les fans semblent tout pardonner à leur idole aux quatre décennies de carrière.

Prévus en mai, dix nouveaux concerts affichent complet de longue date, malgré des tarifs pouvant atteindre plusieurs centaines d’euros, jugés rédhibitoires par certains. En parallèle, Céline Dion travaille sur un album attendu lui aussi l’an prochain. Il devrait receler de nombreuses collaborations, dont Grand Corps Malade et Mosimann.

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Les livres de l’Irlandaise Sally Rooney, célèbre notamment pour son best-seller ‘Normal People’, ne peuvent plus être légalement vendus au Royaume-Uni, en raison de son soutien au groupe Palestine Action, ont annoncé mercredi l’autrice et son éditeur Faber.

« La législation britannique actuelle a créé une situation dans laquelle Faber ne peut pas reverser à Sally Rooney les revenus générés par son travail au Royaume-Uni (…). Par conséquent, et en plein accord avec Sally, nous avons décidé de ne plus distribuer ses ouvrages au Royaume-Uni, quel que soit le format », a annoncé l’éditeur.

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Palestine Action a été interdit et ajouté à la liste des organisations classées comme « terroristes » au Royaume-Uni en juillet 2025 par le gouvernement travailliste, après des actes de vandalisme perpétrés sur une base de l’armée de l’air.

« Le mois suivant, j’ai publié une tribune exprimant mon intention de continuer à soutenir Palestine Action (…) Par conséquent, l’exécution des contrats de publication de mes oeuvres au Royaume-Uni pourrait désormais constituer une infraction pénale grave », explique mercredi Sally Rooney, dans une déclaration transmise par son agent à l’AFP.

« Après un processus de consultation et de réflexion, et avec mon plein accord, mon éditeur Faber a donc décidé qu’il ne pouvait plus distribuer mes ouvrages au Royaume-Uni », ajoute-t-elle.

Droits d’auteur reversés à Palestine Action

En août 2025, Sally Rooney avait annoncé dans une tribune publiée dans The Irish Times qu’elle reverserait certains de ses droits d’auteur, dont ceux des adaptations télévisées de ses romans, à l’organisation propalestinienne.

Outre les recettes des ventes de ses livres, l’autrice irlandaise perçoit des royalties de la BBC, qui a coproduit et diffusé les adaptations télévisées de ‘Normal People’ (2020), un succès planétaire, et de ‘Conversations entre amis’ (2022), avait-elle alors détaillé.

Depuis l’interdiction de Palestine Action, tout soutien au mouvement est prohibé. Plus de 3700 personnes ont été interpellées lors de manifestations de soutien au groupe, selon l’organisation Defend Our Juries, qui les organise.

La cofondatrice de Palestine Action, Huda Ammori, s’est lancée dans un bras de fer judiciaire avec le gouvernement pour faire annuler l’interdiction. Une audience est prévue début novembre devant la Cour suprême britannique.

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“Digger”, réalisé par Alejandro González Iñárritu, avec Tom Cruise en tête d’affiche, était très attendu. Sorti ce 30 septembre en France, le film en forme de farce sur la crise écologique a beaucoup déplu à la presse américaine. Et les journalistes ne se sont pas gênés pour écrire des critiques aussi colorées que le film.

Dans Digger, du cinéaste mexicain Alejandro González Iñárritu, Tom Cruise joue un magnat du pétrole, le bien surnommé Digger (littéralement “celui qui creuse”). Par sa faute – une de ses plateformes pétrolières a créé un gigantesque iceberg dérivant vers des contrées habitées – la crise climatique atteint des niveaux jamais vus auparavant, et une grande partie de l’humanité est menacée.

En salles en France depuis le 30 septembre, le long-métrage du réalisateur de Birdman et The Revenant éclabousse : ça crie, ça postillonne, et la critique américaine qui l’a vu en avant-première a en grande majorité détesté la douche salivaire proposée. De l’autre côté de l’Atlantique, le film sortira le 2 octobre.

Tom creuse et Iñárittu galère

S’il y a bien un point sur lequel toute la presse américaine s’est mise d’accord, c’est la taille de l’ego de Tom Cruise et de celui de son réalisateur. “Digger, c’est ce qu’on obtient quand on met ensemble deux orgueils démesurés sans personne pour freiner leurs instincts les plus complaisants”, écrit David Rooney, chef du service critique de The Hollywood Reporter (THR), un média spécialiste de l’audiovisuel américain. Johnny Oleksinski, critique au quotidien populiste New York Post – qui a attribué la note de… 0 étoile au film – relève “une paire de gigantesques mégalomanes aveugles à la profonde médiocrité de leur bébé”, tandis que David Ehrlich, chef de la critique ciné pour le site spécialisé en cinéma indépendant IndieWire acquiesce, arguant qu’“Alejandro González Iñárritu et Tom Cruise étaient faits l’un pour l’autre”.

Voilà qui est dit. En effet, le film montre Tom Cruise sous toutes ses coutures – fausses, pour la plupart, puisque l’acteur revêt une prothèse en latex de vieux texan croulant – et laisse de la place à son jeu, pas forcément pour le meilleur, note THR, qui critique ses excès :

“Sur une intensité de 1 à 10, Tom Cruise démarre à 11 – si bien qu’il n’a plus nulle part où aller.”

Le New York Post n’est pas plus tendre, et voit dans le personnage de Cruise “un second couteau aussi abruti qu’ennuyeux à qui on a donné beaucoup trop de place à l’écran”. Mais avec 2 h 09 de temps d’écran, forcément, l’acteur a su convaincre certains autres critiques.

C’est le cas d’Owen Gleiberman du magazine culturel Variety, qui abdique, un peu à contrecœur : “C’est un genre en soi, mais le jeu de Tom Cruise dans Digger est soigné, le portrait qu’il campe bien croqué.” De leurs côtés, Amy Nicholson du quotidien Los Angeles Times et David Ehrlich d’IndieWire applaudissent un rôle à contre-emploi. La journaliste de la côte ouest l’admet, “quel régal de le voir dans le rôle du saboteur”, et celui du site spécialisé abonde, car “nul ne peut nier le plaisir qu’il y a à le voir mettre l’intensité qui est sa marque au service d’un rôle aussi étrange que celui-ci”.

“Le vrai problème” : l’absence d’humour

La seule chose que l’on peut dire sur le film sans divulgâcher, c’est que l’on assiste à la création d’une histoire enchâssée dans une autre, qui donne bien plus de profondeur au récit de Digger. Sauf que, justement, cet enchâssement ne convainc pas vraiment. Comme l’explique IndieWire :

“Digger n’en fait pas des caisses, il en fait des kilos, des tonnes mêmes – et Iñárritu en rajoute sans cesse en espérant que tout ça tienne debout.”

Un espoir que THR balaie d’un revers de plume. Le magazine y déplore “un récit qui s’embrouille à force de vouloir jouer au malin”, tandis qu’IndieWire note l’absence d’humour dans un film qui se définit comme une comédie : “On devrait s’amuser comme des petits fous devant Digger, mais le film n’est même pas drôle.” Variety décrète même que c’est “le vrai problème”, quand THR, catégorique, rappelle que “la comédie n’a jamais été le fort de ce réalisateur grandiloquent”.

Y a-t-il un seul moment admirable dans ce film, alors ? Oui, un, répondent les critiques, décidément à l’unisson : le monologue de dix minutes de Tom Cruise/Digger face à une parodie d’assemblée de l’Union européenne. IndieWire est dithyrambique : “Digger atteint son point culminant dans cette scène-purgatoire où Tom Cruise se pavane dans un monologue devant un hémicycle bondé d’âmes damnées.”

Même son de cloche pour THR, qui y voit “la meilleure scène du film”, qui donne à “Cruise une occasion de faire montre de ses talents d’acteur, en mêlant séduction et pugnacité”. Variety évoque “LA séquence qui vous met la chair de poule”. Le Los Angeles Times ne dit pas mieux : “Cruise y met toute la puissance de son charisme et toute la force de sa malice.”

Un film hautement déprimant

Presque tous les critiques sont donc d’accord sur cette scène, sauf un, qui n’est pas spécialiste de cinéma, mais dont le point de vue intéresse justement pour ça. Il s’agit d’un média américain indépendant consacré aux questions environnementales, Grist. Dire que Jake Bittle, un de ses journalistes spécialisés, n’a pas aimé le film serait un euphémisme. Il qualifie le monologue adoré par ses confrères de “scène insupportable”.

Surtout, il a détesté le côté “moche, bruyant, désagréable” du long-métrage et en critique les limites : “En se lançant dans une fable sur l’arrogance et la démesure des titans du pétrole, Iñárritu fait un film qui ne dit rien que le spectateur ne sache déjà. […] Il le sait bien : les paraboles politiques contre la cupidité des entreprises n’ont qu’une envergure artistique limitée – et pourtant, il ne parvient pas à repousser les limites de la parabole.”

Bien qu’ils ne soient pas spécialistes de la question environnementale, les autres critiques se sont malgré tout aussi emparés du sujet et sont tous d’accord : sur ce point, Digger est déprimant. “Le film vient enfoncer le clou : nous ne résoudrons pas la crise climatique tant qu’on ne l’aura pas dissociée du baratin que certains nous dispensent pour s’autocélébrer”, souligne Variety.

Le Los Angeles Times de conclure, pas plus rassuré : “Les horreurs dont on rit à gorge déployée dans Digger sont si proches de la réalité qu’en sortant de la salle, je n’étais pas sûre que l’humanité vive assez longtemps [pour digérer le film et finir par l’apprécier]. Aussi loin que creuse Digger, il n’y a pas d’espoir.”

World Opinion + Courrier International

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Le gouverneur démocrate de Californie, Gavin Newsom, avait annoncé cette semaine la création d’une journée en hommage à la légende de la country, morte en août à 80 ans.

Les États-Unis ont célébré, vendredi 25 septembre, leur tout premier “Dolly Parton Day”, en hommage à la chanteuse, morte en août à 80 ans.

“Aujourd’hui est officiellement la Journée Dolly Parton dans l’État de Californie et dans des dizaines de municipalités à travers les États-Unis”, écrivait vendredi Billboard.

Le gouverneur démocrate de Californie avait annoncé cette semaine la création de cette journée. “Nous pourrions tous nous inspirer un peu plus de Dolly”, avait déclaré Gavin Newsom dans un communiqué annonçant l’adoption du projet de loi SB931, que le magazine américain décrit comme “sans doute le moins controversé qu’il ait jamais signé”.

“Joie, grâce et générosité”

“Soyez bienveillants, soyez humbles et amusez-vous… Avec cette loi, nous ne nous contentons pas d’instaurer une journée en l’honneur de Dolly Parton, nous créons un rappel annuel pour nous inciter à vivre comme elle : avec joie, grâce et générosité”, avait ajouté le gouverneur.

“La signification de cette date devrait être évidente pour les fans de la regrettée légende de la musique country : 9-2-5 [le 25 septembre] fait référence au tube de Parton ‘9 to 5’ tiré du film du même nom sorti en 1980, dans lequel elle jouait aux côtés de Jane Fonda et Lily Tomlin”, explique Billboard.

Le Tennessee, État natal de l’artiste, célèbre déjà une Journée Dolly Parton le jour de son anniversaire, le 19 janvier. Mais plusieurs villes de l’Etat, notamment Nashville, ont également proclamé une Journée Dolly Parton le 25 septembre.

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La réalisatrice de « Je verrai toujours vos visages » aborde de nombreux thèmes dans ce film à tiroirs, en salles le 23 septembre. De rage et d’amour.

Garance, interprétée par Adèle Exarchopoulos, croit avoir l’alcool festif. En attendant de vivre de son métier de comédienne, elle multiplie les petits boulots. Sa vie amoureuse est chaotique. Alors elle court dans tous les sens, à la recherche d’un bonheur fuyant et d’une stabilité inespérée. Garance n’a plus le temps de rêver. Alors, elle boit. Du vin blanc. Beaucoup, jusqu’à dix-neuf verres par jour. Forcément, cela finit par se voir. Et par impacter sa vie professionnelle.

D’abord dans le déni, la jeune Parisienne désargentée finit par reconnaître qu’elle est alcoolique mais ne juge pas important d’arrêter malgré les maux de crâne, les trous de mémoire et tous les désagréments. « C’est comme les courbatures après le sport, on ne va pas arrêter le sport pour ça. »

Le personnage, en pleine confusion, s’autodétruit consciencieusement et enchaîne soirées arrosées et rencontres éphémères. Jusqu’à sa rencontre avec Pauline, incarnée avec beaucoup de fragilité et de finesse par Sara Giraudeau.

Vivre tue

Jeanne Herry aborde de nombreux thèmes dans ce film à tiroirs : l’alcoolisme, la situation des intermittents du spectacle, l’éclosion à une autre sexualité, l’accompagnement d’une personne atteinte d’une maladie incurable… Est-ce trop pour une personne essayant de se construire ? Parce que Garance est comme ce boxeur groggy mais encore debout qui continue d’être travaillé au corps par de nombreux coups. Elle se débat maladroitement dans un monde qui n’est pas fait pour elle.

La réalisatrice de Je verrai toujours vos visages prend le risque de surcharger son propos. Il y a plusieurs films dans cette œuvre. La vie de Garance est rythmée par des tsunamis successifs. Comment trouver des raisons de vivre quand le suicide lent est plus confortable ? Pourquoi se battre quand l’apathie ou la passivité anesthésie la douleur ? Le titre en anglais, Another Day (un autre jour), est peut-être plus pertinent. Garance, une œuvre sombre, traversée par des moments magiques.

La fiche

Titre : Garance
Genre : drame
Durée : 1h45
Scénario et réalisation : Jeanne Herry
Avec : Adèle Exarchopoulos, Sara Giraudeau, Sarajeanne Drillaud
Sortie en salles : 23 septembre 2026
Synopsis : Garance est une jeune actrice alcoolique. Huit ans d’un parcours fait de déménagements, de travail, de rencontres, de fêtes et d’angoisses, de joies et de coups durs… Mais aussi une révolution intime, amicale et sexuelle, un chaos aux allures de « grande récré » où se mêlent autant d’amour que de destruction.

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La romancière d’origine mauricienne Ananda Devi vient de faire paraître ‘Chronique d’un royaume perdu’, un roman épique ancré dans l’histoire de l’île Maurice en lice pour les prix Goncourt et Renaudot. Une épopée familiale qui s’étale sur plusieurs générations et a été imaginée pendant des décennies.

« C’est un roman qui a existé en moi depuis plus de quarante ans, mais son temps de gestation a été immense », indique la romancière mauricienne installée en France Ananda Devi à propos de son dernier ouvrage intitulé ‘Chronique d’un royaume perdu’.

Au Bouchon, petit village isolé de l’île Maurice, quatre générations se succèdent depuis le temps de l’esclavage. La violence se mêle à l’amour, la tendresse à la haine, les plus nobles passions aux vices les plus vils, les sangs des unes aux sangs des autres…

Les cinq fondateurs viennent d’une plantation lointaine  : trois sont nés dans la puissante et blanche famille Dumontais  ; deux d’une esclave noire. Mais les trois blancs sont en vérité le fruit d’une passion entre Madame et le Vieux Bouc, un esclave magnétique qui revendique aussi la paternité des deux derniers. Bannis pour s’être liés d’amour et d’amitié, les cinq enfants devenus grands trouvent refuge dans ce lieu perdu dont ils font leur royaume, autarcique et magique, qu’ils défendent d’un seul corps, puisqu’ici sont abolies les frontières entre passé, présent et avenir  ; vie et mort  ; réel et fantastique.

Tel homme entend sans le vouloir tous les péchés humains  ; telle femme meurt et renait en déesse protectrice  ; un enfant vit parmi les oiseaux quand son cousin viole et tue sans frein  ; le moulin est hanté par les voix des fantômes, la nature donne les plus beaux fruits mais décapite la chapelle  ; les guerres du monde contemporain rencontrent les combats intérieurs de chaque individu et l’histoire de l’humanité se reproduit dans l’infiniment petit de leurs existences débridées. Parmi eux, un enfant timide sera le chroniqueur de ce royaume hors-norme dont il livre les jours de paix, de luttes, et les nuits de folie pour empêcher l’oubli.

Épopée fabuleuse,  mythologie vibrante, fable majestueuse, cette Chronique d’un Royaume perdu est le chef d’œuvre d’Ananda Devi.

Un royaume autonome

Bannis, ils trouvent finalement refuge dans un hameau du sud de l’île nommé Bouchon, au bord d’une baie. Le lieu va devenir un petit royaume autonome, où l’on se marie entre cousins. Les générations suivantes, qui tenteront de s’émanciper de cette violence familiale héritée, vont finalement reproduire les brutalités du monde: inceste, suicide, meurtre, luttes de pouvoir. S’ajoutent à cela les secousses de la Première Guerre mondiale et la cupidité du capitalisme touristique. 

« Ces enfants vont découvrir un lieu qui leur transmet quelque chose de sa puissance, de son passé effacé ou oublié et qui va les doter de qualités extraordinaires. (…) Mais évidemment, puisque c’est une famille, il y a aussi tous ces déchirements qui sont propres aux familles, malheureusement, mais aussi tous les aspects de l’humain qui sont reflétés par ces quelques personnages, qui vont perpétuer un peu la violence de la naissance de ce pays », explique Ananda Devi, qui intègre aussi dans son histoire une part de surnaturel.

La « faute originelle »

Dans son récit, la romancière réinvente l’histoire de l’Ile Maurice, née historiquement avec la colonisation, dans la violence, avec l’esclavage, puis le transport des travailleurs indiens. Le roman écrit une autre histoire, qui commence avec une « faute », celle de cette femme blanche, propriétaire, qui tombe passionnément amoureuse d’un esclave noir.

« Cela me permettait d’entrer dans le domaine du mythe dès le départ, en parlant de ce ‘péché originel’, mais aussi de passer outre cette condamnation de l’île dans la colonisation, avec de la violence, de la fragmentation, des divisions. [L’idée était donc] de dire ‘et si notre origine n’était pas la colonisation, et donc la violence, mais quelque chose de plus ancien, qui infusait les veines de l’île et continuait quelque part à entrer chez les habitants?' »

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Un an après le remarqué “Never Enough”, le groupe de punk américain Turnstile remixe son album en invitant des artistes de tous bords à s’en emparer, d’Elton John à Oklou en passant par Blood Orange et A. G. Cook. “Never Enough. Versions” a conquis les critiques anglophones.

C’est un genre en soi. L’album de remix est de plus en plus présent dans les bacs, et “Turnstile s’y essaie à son tour avec Never Enough. Versions”, commente le site musical américain Pitchfork à propos de ce nouvel opus du groupe de Baltimore, sorti le 28 août.

Mais avant de parler du remix, parlons de l’album original. En 2025, Turnstile, célèbre pour sa musique punk rock, signe Never Enough [littéralement, “Jamais assez”], un album de 14 titres récompensé par le Grammy Award 2026 du meilleur album rock de l’année, dont la chanson Birds a également été distinguée par le Grammy de la meilleure performance rock de l’année.

Ce succès a suscité autour du groupe d’“interminables débats” sur le possible “reniement de ses origines hardcore dans la course au succès grand public”, rappelle Dazed, un magazine culturel britannique. Cependant, remarque avec finesse cette publication, c’est bien dans la catégorie “rock” que le groupe a été couronné. “Trop hardcore pour le grand public, et trop mainstream pour les fans de hardcore : ‘never enough’ (‘jamais assez’), c’était le cas de le dire”, note-t-il encore.

Mais si Dazed reprend aujourd’hui ces critiques, c’est pour mieux s’en amuser, tant la nouvelle sortie “est précisément tout l’inverse : un album où chacun peut trouver son compte”.

Un album aux airs de festival

Il faut dire que ce nouvel opus contient 22 titres, avec pas moins de 23 artistes au casting. Évidemment, avec 14 titres d’origine, certains morceaux reviennent plusieurs fois. Un format qui fait dire à Dazed que “ce n’est pas un album qui s’écoute forcément de bout en bout”.

Cela ne signifie pas qu’il faut renoncer à l’écouter en entier mais que, “étant donné la gamme de styles qui y est offerte, personne ne peut tomber amoureux de la totalité des pistes, explique le magazine. Pour autant, on n’a pas entendu récemment d’album de remix plus impressionnant et plus enthousiasmant, avec, comme ici, une affiche cinq étoiles.”

“Cinq étoiles” et même plus : parmi les 23 artistes au générique, on retrouve la légende Elton John, la rockeuse Hayley Williams, le génie de l’hyperpop britannique A. G. Cook, la Française Oklou, les incontournables du métal Dying Fetus, ou encore la star de l’indie pop Blood Orange.

Autant de noms que Pitchfork applaudit :

“La liste a des airs d’affiche de festival, avec une programmation aussi soignée du côté des poids lourds qu’au rayon petits prodiges du coin.”

Parmi les titres les plus réussis, Pitchfork signale celui d’Elton John, réalisé en duo avec Turnstile, et y voit un résultat “étonnamment émouvant, comme un passage de flambeau en plus modeste – plutôt la clope qu’on se partage tendrement à l’extérieur du club”. Il loue aussi le morceau Ceiling, de Hayley Williams, “chanson d’amour sublime de mélancolie, douillette comme le vieux T-shirt d’un ou d’une ex, dont les accents new wave révolutionnent les tensions qu’avait la voix de l’original”.

“Il n’y avait que Turnstile pour le faire”

Mais l’album a aussi certains points négatifs, signale Pitchfork, notamment par rapport à la sphère punk. Car, “si Never Enough avait des airs de pas de côté vis-à-vis du hardcore, Versions donne à penser que la rupture est presque consommée”, note le média, qui critique aussi l’absence de groupes plus extrêmes sur les nouvelles chansons :

“Aussi bonnes soient ces Versions dans leurs élans d’audace, on regrette qu’elles n’aient pas laissé place à des iconoclastes du son hardcore nouvelle génération.”

Du côté de Dazed, la conclusion est plus positive. Le magazine salue une œuvre singulière, que seul le groupe de Baltimore aurait pu réaliser : “Inviter de grands noms mainstream sur du punk hardcore, opérer la rencontre entre des musiciens de ce genre un peu marginal et des stars de la pop, il n’y avait que Turnstile pour le faire. C’est mieux qu’‘assez’, c’est beaucoup.”

World Opinion + Courrier International

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La nouvelle série de Ryan Murphy, sur Disney+, nous plonge dans le Los Angeles des années 1980. Avec un casting de stars, “The Shards” met en scène un groupe de lycéens fortunés qui va voir son monde bouleversé par une série de meurtres dans la région. La presse américaine est divisée sur cette adaptation de Bret Easton Ellis.

Ryan Murphy ne chôme pas. Après avoir mis en scène le monde de la mode et ses dérives dans The Beauty, mise en ligne en janvier, et coproduit en mars Love Story, sur le mariage de John F. Kennedy Jr. et Carolyn Bessette, il est de retour avec The Shards, série cocréée avec le romancier Bret Easton Ellis. De nouveau, l’univers est très glamour, avec pour décor le Los Angeles du début des années 1980. Et, là aussi, les tragédies vont très vite bousculer le monde très privilégié d’Ellis et de ses camarades.

“C’est souvent absurde et toujours mélodramatique – ce qui n’est pas forcément un reproche –, mais si vous cherchez une minisérie soignée sur des enfants (et des adultes) qui sniffent de la cocaïne, sur des meurtres, des mutilations d’animaux, du sexe et des voitures de sport dans le Los Angeles de la Nouvelle Vague, avec des évocations de Hamburger Hamlet et d’Orange Julius [respectivement une chaîne de restaurants et une boisson emblématiques de la ville à cette époque] et une excellente sélection de chansons d’époque sur la bande originale, vous ne trouverez pas mieux”, assure le Los Angeles Times.

Un mystérieux serial killer

Sexe, drogues, meurtres. Le cocktail inspire nombre de séries portant sur cette période si fascinante qu’est la fin du lycée, davantage encore lorsque cela se déroule chez les plus privilégiés, et The Shards, disponible sur Disney+ depuis le 5 août, devrait plaire aux fans d’Élite ou d’Euphoria.

nspiré du roman autobiographique de Bret Easton Ellis, l’auteur d’American Psycho (Les Éclats, sorti en 2023, et traduit chez 10/18), la série suit Ellis (incarné par Igby Rigney), un aspirant écrivain qui raconte en voix off cette année très étrange que fut 1981 pour son lycée très élitiste, Buckley School, alors que des disparitions de jeunes femmes puis d’hommes suscitent l’inquiétude. La série ravive ainsi le souvenir d’une décennie durant laquelle la ville californienne a été le terrain de nombre de tueurs en série.

Et le casting compte deux noms issus d’un monde tout aussi hollywoodien que le fictionnel, qui vient renforcer l’aspect méta de cette autofiction : Kaia Gerber et Homer Gere, la première étant la fille du top-modèle Cindy Crawford, le second le fils de Richard Gere.

Ils incarnent respectivement Susan Reynolds, meilleure amie d’Ellis, qui incarne la perfection, très belle et très brillante à l’école, et Robert Mallory, un mystérieux et beau nouveau venu, qui inspire autant d’attraction que de méfiance de la part d’Ellis.

Un univers d’artifices

Tout paraît artificiel dans cet univers de maisons luxueuses, où les adultes semblent tous absents. Et ce pour le meilleur comme le pire, avertit The Hollywood Reporter.

Alors que rôde un tueur en série, “l’atmosphère est étrange, mais jamais vraiment effrayante ; c’est une série sans effusion de sang malgré les victimes mutilées du chalutier. Vous n’apprécierez aucun personnage”, estime le magazine. Peu convaincu, il estime que l’empathie pour les personnages est totalement désamorcée dans cette adaptation qui foisonne d’idées mais manque de cohérence.

Si The Shards ne convainc pas la majorité des critiques américains, The Spectator, de l’autre côté de l’Atlantique, est particulièrement enthousiaste. Jugeant l’ensemble “à la fois réel et irréel”, l’hebdomadaire britannique recommande vivement la série, car elle dépeint “enfin les années 1980 telles que vous auriez presque aimé les vivre : du sexe à n’en plus finir avec des personnes magnifiques, des jacuzzis, des voitures de sport, des cocktails, des costumes impeccables, des répliques cinglantes débitées avec nonchalance, du tennis, des chevaux…”.

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